Community

Community - 2009/201?, Dan Harmon.

Joel McHale; Gillian Jacobs; Donald Glover; Alison Brie; Danny Pudi; Yvette Nicole Brown; Chevy Chase.

Es complicado escribir sobre Community, no se por donde comenzar, intento buscar semejanzas con alguna otra serie pero no la encuentro ¿es una serie única en su clase? Cuando la recomiendo también encuentro difícil describirla; ¿es acerca de un grupo de personas que se conocen por estudiar en un Community College y através de los episodios van transitando diversas situaciones universitarias que los hacen fortalecer sus vínculos? Podría decir algo así sobre la primera temporada, pero al final de la tercera la quedaría chica esa definición.
En la primera temporada no hubo un solo capitulo o momento que ocurriese afuera de los terrenos del campus universitarios pero las cosas ya cambian al primer minuto de la segunda donde vemos a cada uno de estos geniales personajes despertándose en sus respectivos dormitorios. A partir de ese momento comenzamos a ver a esta banda interactuando en el exterior, hasta llegar al extremo en esta última temporada donde hay un capitulo en el cual Greendale Community College no aparece como ubicación ni tiene influencia en la historia (“Digital Estate Planning”, un episodio realizado como si fuese un videojuego de 8-bits). La serie, como sus personajes, fue creciendo y evolucionando, el universo se expandió y a medida que lo fue haciendo desapareció esa ambigüedad que estaba presente en el nombre de la serie.
Esto no significa que al premisa que tenía en un comienzo haya sido abandonada, el creador, Dan Harmon, y los guionistas siguen realizando ese estilo de capítulos (en donde Shirley tiene que luchar por la concesión del bar del comedor o donde todo el grupo tiene que hacer un proyecto de biología) y funcionan para equilibrar la locura del resto de los episodios que van desde homenajear, y parodiar, a películas y series (las cuales uno no necesariamente debe conocerlas para disfrutar y reírse) a variar el formato que suele tener para convertirse en un documental salido del History Channel (“Pillows and Blankets”) o en animación stop-motion (“Abed’s Uncotrollable Christmas”). Todos los episodios de Community terminan siendo lo que en otras series se los refiere como episodios especiales.
En el primer año ya aparecen algunos destellos de esta locura insipiente pero sí uno vuelve a ver esos capítulos ahora el delirio parece ser un monstruo controlado y restringido. Por suerte, una vez que el programa encontró una audiencia seguidora, Dan Harmon dejo libre toda su ambición y necesidad constante de innovar logrando crear una extravagancia de la más alta calidad. Lo mejor es que Harmon definió tan claramente este mundo y a sus personajes que todo el absurdísimo que presentan gran cantidad de las historias parece ser muy coherente en el universo de Community.
Mientras escribo esto me dan unas ganas de volver a ver todos los setenta episodios desde el comienzo, volver a disfrutar de “Troy and Abed in the Morning” o  las aventuras del Inspector Spacetimey Constable (con la ocasional aparición de Geneva) o a Annie perdiendo el control o a Britta siendo la peor y arruinando - Britta'd - todo. Porque no solo es una comedia de mucha diversidad sino que también posee un gran sentido del humor que te deja riéndote largo rato aún después de finalizado el episodio (a veces hasta cuando voy caminando por la calle me acuerdo de alguna situación y me empiezo a reír solo) y que no se gasta por más veces que lo veas.
En Septiembre u Octubre arranca la cuarta temporada que tendrá trece episodios y, por el bajo nivel de audiencia que acumulo la temporada pasada, muchos vaticinan que será la ultima. De ser así encuentro un poco decepcionante que Harmon no vaya más a la cabeza de la serie para darle su cierre a este tremendo proyecto, más aún teniendo en cuenta que al parecer se van a desarrollar historias que se vienen preparando desde hace largo rato, como por ejemplo el reencuentro de Jeff con su padre. Pero más allá de eso tengo cierto interés y curiosidad por esta nueva etapa, se que puede mantener la calidad, después de todo las bases fundadas con muy fuertes como para ser destruidas.

El Último Elvis

El Último Elvis – 2012, Armando Bo / John McInerny; Griselda Siciliani; Margarita López.

“Tranquilo amigo, el show debe continuar.”

Seguimos con el cine nacional. Ya van cuatro al hilo, es raro, estoy seguro que es la primera vez que me sucede. No fue algo organizado sino que la elección de las mismas se fue dando naturalmente. “El Último Elvis” se estreno el mismo día que “Los Vengadores” y siendo un ex-lector de cómics estaba (estoy) muy interesado en verla, mientras que de la primera ni sabía de su existencia unos pocos días previos a su estreno. Por una combinación de eventos (fui durante la tarde al cine, tuve miedo a que hubiese mucha gente, mucho niño y adolescentes, miedo al pororo y además sentí una cierta atracción por el título del film de Bo) termine viendo la argentina.
Teniendo en cuenta de que justo venía con la seguidilla de cine nacional voy a empezar comentando el fuerte contraste que se entre esta y las otras tres (De Caravana; Las Acacias; UPA! Una Película Argentina) desde el punto de vista del valor de producción. La película tiene una muy buena calidad de imagen y por momentos luce bellísima (también influye, y se demuestra, la capacidad de Bo y del director de fotografía Javier Julio), además de presentar un número amplio de canciones de Elvis de las cuales tuvieron que conseguir los derechos y unos sets muy bien logrados (uno en particular que no voy a mencionar). Hay una inversión muy grande que por suerte no esta para nada desperdiciada.
Por suerte “El Último Elvis” es mucho más que una “linda” fotografía. Es la historia de Carlos Gutiérrez un empleado de una fábrica de electrodomésticos en el Gran Buenos Aires. Tiene una familia, pero el nunca parece haber representado su rol dentro de ella. Presenta un aspecto deteriorado, venido a menos, aparentando más años de los que realmente tiene. Nada de su vida es remotamente envidiable.
Pero la situación cambia por la noche cuando Carlos se pone su disfraz y cantando ante un grupo de personas, iluminado, Carlos deja de existir, todos sus problema quedan atrás. Él es Elvis Presley. La reencarnación de su persona o únicamente su voz, sin importar que él encarna el papel tal cual es. Esta transformación, conversión a ídolo, funciona como escape de la realidad. El no quiere ser Carlos, a el se le dio un don, su voz, y lo debe usar. Esta destinado a ser Elvis, o al menos el vive con la esperanza de que así sea.
Sus dos personas chocan en conflicto interno producido por su familia (esposa e hija). No hay maldad en sus actos al pedirle que abandone su rol de Elvis, si hay una necesidad de una padre y un esposo que el cantante nunca podrá ser pero que tal vez Carlos sí. Pero esta súplica parece ser demasiado para él. Abandonando a Elvis estaría perdiendo toda su razón de ser, viviría una vida gris, la vida de Carlos, sin esperanzas ni motivaciones. No se puede conformar con eso, tiene que haber algo más (cosas mayores) en la vida que eso.
Armando Bo logra construir y mostrar esta dualidad mediante pocos diálogos poniendo toda su confianza en las imágenes. Tampoco siente la necesidad ni obligación de realizar un montaje con mayor ritmo y frenesí para atraer mayor público. Con este tono calmo y silencioso se ayuda al espectador a comprender el personaje de Elvis/Carlos.
Es también destacable el labor de John McInerny del cual la actuación no será su fuerte pero cuando se encuentra arriba de un escenario cantando temas como “Unchained Melody” se convierte en una verdadera estrella y no cabe dudas que su personaje es Elvis Presley (además desde el punto de vista actoral esta muy bien resguardado por parte de sus secundarias, Siciliani y Lopez)
Me alegra haberme perdido “Los Vengadores” porque tuve la posibilidad de encontrarme y sorprenderme con “El Último Elvis”, la historia de una héroe clásico persiguiendo sus sueños en el conurbano bonaerense.

Lo Mejor de Marzo: Copie Conforme

Copie Conforme / Copia Certificada

2010, Abbas Kiarostami / Juliette Binoche; William Shimell

Los pósters pueden influir mucho cuando elijo ver una película. No necesariamente deben ser “lindos”, pero sí tienen que tener algo que logre llamar la atención. En el caso de “Copie Conforme” tenemos un primer plano de Juliette Binoche contrapuesta al fondo, un cuadro bastante colorido (http://bit.ly/Ail8MZ). Funciona perfecto, capto totalmente mi interés y desde que lo mire quise ver esta película.
No me informe nada más sobre ella y cuando la vi me encontré con una película que se podría definir, toscamente, como una versión más adulta y abstracta de “Antes del Amanecer/ Atardecer” (es más, el protagonista tiene tiempo hasta las 9 así que esta podría ser un “Antes del Anochecer”). Este film de Kiarostami esta formado por dos partes muy definidas y diferentes, que puestas en conjunto logran una gran obra cinematográfica. Se parte desde una idea, una teoría, que en la segunda parte del largometraje es llevada a la practica.
Teoría. El protagonista masculino, James Miller, se encuentra presentando su libro de arte, que comparte el nombre de la película, en la Toscana. Con él James busca revalorizar el poder y la importancia de la copia. Quiere demostrar que las copias son valiosas por que muestran al original y de esta manera certifican su valor. Este es el planteo que el director hace en los primeros diez minutos y no es un enfoque que solo se limite al arte. Acá también somos introducidos al personaje de Binoche (sin nombre, acreditada como “Elle”, tal vez es alguna familiar de Kiarostami, o mi vieja, o tu hermana, o cualquiera), madre soltera que tiene un negocio de venta de obras de arte.
Ella y James comienzan a recorrer las calles de un pequeño pueblo de Italia debatiendo sobre la relación entre copias y originales. Intercambian pensamientos, puntos de vista y debaten ¿puede una copia ser mejor que el original? ¿Que es algo original? Kiarostami nos muestra estas opiniones enfrentadas, pero no se pone a favor de ninguna posición e invita (nos invita) a pensar sobre el tema y a formar una opinión propia. Gran gesto el de él en su intención de expandir nuestras mentes.
Práctica. La situación cambia drásticamente a mitad de la película cuando una empleada de un bar los confunde por un matrimonio y ellos, a partir de ese momento y hasta el final, deciden jugar con esta idea y comienzan a actuar como si realmente lo fuesen. Uno, como espectador, se ve inmerso y atraído por esta improvisación que ellos realizan. El manejo de cámara por parte del director influyen en este sensaciones de sentirnos parte del film, con la cámara en primera persona, por momentos somos James y en otros casos ella (notemos que una conversación que ocurre en un bar al inicio de la película entre ella y su hijo esta filmada desde un ángulo distinto, ahí todavía somos externos a lo que acontece). Nos miran, nos hablan, nos reprochan y liberan todos sus sentimientos, por momentos uno siente que si se pone hablar va a poder entablar un dialogo con Juliette Binoche (tremenda ella, logra abarcar un gran rango de emociones en cuestión de pocos minutos).
Uno comienza a confundirse y te entra la duda de que tal vez lo que fue un juego y una mentira era ese encuentro del principio, tal vez en realidad ellos si son una pareja que están casados hace quince años. ¿Son originales o copia? Y si son copia ¿disminuye el valor o veracidad de lo que están diciendo? ¿Acaso no vivimos rodeados de copias? Las personas se reinterpretan como reproducciones [ella dice que su hijo es la copia exacta de su padre (¿no somos todos, en parte, reflexiones de nuestros antepasados?)] y nuestros ritos sociales (como en la película todo ese desfile de jóvenes novias que se sacan fotos con el árbol dorado) son reimpresiones pero eso no significa que pierdan valor.
Copia Certificada funciona como un huracán que te agita mucho el cerebro, te hace reflexionar y plantearte cosas que probablemente hasta el momento no habías hecho. Generoso Abbas Kiarostami al compartir sus ideas a través de esta gran película y al final dejarnos pensando por largo tiempo.

Lo mejor de Enero: John Cassavates y el río.

-A WOMAN UNDER THE INFLUENCE-
John Cassavetes, 1974 / Gena Rowlands; Peter Falk.

Y yo que me estaba quejando por lo pobre que había empezado el 2012 en materia cinematográfica. Por suerte apareció John Cassavetes, me dio un par de bifes y me hizo cambiar de opinión.
Venía con ganas de ver esta película desde hace ya mucho tiempo y una vez que la tuve en mis manos por alguna razón deje reposar el CD por 8 meses. Finalmente una tarde al azar decidí verla y suerte la mía, porque me encontré con algo maravilloso.
No tenía en claro cual era la trama, ni sabía como era el cine de Cassavetes. Con “A Woman…” se me abrió las puertas a otro tipo de cine hasta ahora no explorado, uno lleno de emociones y vitalidad, tan real que por momentos parece un documental. Y después de esta no pude para, pase por “Husbands”, luego apareció “Faces” y después vendrá “Opening Night” y más tarde el resto.
Fue bueno que haya visto otras dos del griego antes de escribir esto, por que las tres presentan y se refieren a un elemento común (además del alcohol, cigarros y Gena Rowlands), el matrimonio. En todas visto desde distintos puntos de vista, tratando aspectos diferentes, pero realmente te da una idea de lo que el director quería hablar y mostrar.
Acá tenemos como centro a Mabel (gigante Rowlands) una ama de casa al principio de los años setenta. En las primeras sospeche que iba a ser una historia sobre esta mujer infeliz, saturada de llevar a cabo el rol de ama de casa, deprimida y enojada constantemente por no haber podido cumplir sus sueños. Que equivocado estaba.
Mabel no solo comprende y acepta su rol de esposa y madre, además lo realiza con empeño y entusiasmo. Este es su principal problema, se excede, no sabe como controlarse y, por mas tonto que suene, tiene demasiado amor para dar y lo expresa sin tapujos. Esa idea del nido familiar, el “hogar dulce hogar”, como lugar reconfortante queda destruida cuando esto se transforma en un espacio asfixiante y cautiverio. Escribiendo esto se me ocurre ¿acaso Mabel no vendría a ser una versión actualizada de las princesas de Disney? ¿Se convertirían ellas también en mujeres bordeando a la demencia? (con el tratamiento de Hollywood probablemten no)
“Mabel is not crazy, she's unusual. She's not crazy, so don't say she's crazy.” Dice al principio Nick, su marido (el también tremendo Peter Falk). Si hay algo que esta claro en la película es que realmente existe amor en esta pareja. Lo triste es que ninguno parece entender al otro ni son capaces de demostrar correctamente este sentimiento y se terminan dañando mutuamente. Nick que no la comprende pero intenta hacer todo para que ella pueda llevar un vida “normal” (aunque no parece tener muy en claro que es eso, él ni nadie), toma decisiones equivocadas pero siempre con las mejores intenciones. Al final parece darse cuenta que el no quiere una Mabel diferente, una ama de casa fría y perfecta, prefiere aceptarla tal como es amorosa y difícil, si es axial que ella es feliz.
Estas palabras no llegan ni de cerca de a abarcar todo lo que es “A Woman Under the Influence”, todas esos aspectos e ideas que muestra. Se puede hablar y debatir muchísimo o simplemente no decimos ni analizamos nada y dejamos que nos atraviese y que nos sacuda de arriba abajo. Que podamos “disfrutar” de esta pieza cinematográfica, por momentos muy dolorosa y oscura, en otros casos muy bella, pero por sobre todo humana.

-HUSBANDS-
John Cassavetes, 1970 / John Cassavetes; Peter Falk; Ben Gazzara.
Antes de empezar voy a aclarar desde el vamos que disfrute mucho esta película, con el paso de los días hasta puede llegar a decir que me gusto aún más que “A Woman…”. Soy mi impresión básica desde un principio para los que quieran evitar leer tanto palabrerio.
En “Husbands”, no encontramos con un grupo de hombres, cuarentones, amigos y como el titulo destaca hombres de familia (ojo que no se llama “Fathers”). El conflicto surge cuando uno de estos amigos muere de forma sorpresiva y esto genera una cierta crisis existencial que los lleva a revalorar su vida.
Pasan por distintas etapas. La negación en un principio, la idea de que uno de sus pares haya fallecido y que la idea de que esto les podría haber pasado a cualquiera de ellos les resulta imposible de creer. Parecen necesitar demostrar toda la juventud y vitalidad que hay aun dentro de ellos. Los vemos corriendo y empujandose como niños en las calles de Nueva York, jugando al básquet hasta quedar sin aliento o nadando. Se embarcan en una cruzada de tragos, bebidas y seducción de mujeres, a pura juerga demostrando una inseguridad y vulnerabilidad que ni ellos parecían percatarse de que existía.
Mirar al pasado y preguntarse si uno habrá tomado las decisiones correctas. ¿Sentar cabeza, comprar el perfecto sueño americano y convertirse en un marido, fue lo correcto? Uno es libre de sus elecciones, pero no así de las consecuencias que estas generan. “You have to be free. You have to be an individual” dice en un momento el personaje de Peter Falk. Pero saben que no pueden hacer eso, forman parte de una familia, no hay individualismo existente ahí, no podes vivir una vida sin restricciones.
La muerte de su amigo gatilla todos estos sentimientos y los concientiza de ellos. Pero no saben que hacer, ni cual es la decisión correcta. Una vez que termina, Cassavetes te sigue dejando con esa incertidumbre (como también sucedía “A Woman…”), no hay una respuesta única y real. Si hay un poco de aceptación, voluntad de vivir y hacerse cargo de sus decisiones.

-FACES-
1968, John Cassavetes / John Marley; Lynn Carlin; Gena Rowlands.
Después de haber visto “Faces” me pregunte si no hubiese sido más conveniente estas tres de Cassavetes en el orden que fueron realizadas. Mirarlas de atrás para adelante no limito mi capacidad de disfrutarlas, claramente, pero está realmente parece funcionar como el origen de esta “trilogía” de la vida conyugal. Aca el griego nos presenta ideas que va a seguir desarrollando en películas subsiguientes.
Estamos en 1968 y el matrimonio parece funcionar de una forma extraña. El ser humano aparenta volverse artificial una vez que contrae casamiento, algo se pierde dentro suyo ya a temprana edad. Substituyen el placer de vivir, por una cuota de beneficios que supuestamente los va a hacer personas felices y satisfechas. Cassavetes se pone como intención clara, descargar críticas sobre la clase media americana de ese entonces. “Nobody has time to be vulnerable to each other”, es el personaje más joven, Chet el muchacho que baila y canta para sentirse libre, el que al final parece ser el más sabio al hacer notar esta verdad.
Nos centramos en la pareja de Richard y Maria, seguros en su casa suburbana, que han quedado anticuados con el paso del tiempo y con mentes cerradas. La trama los aparta de esa zona de confort, para que se vean forzados a lidiar con otras situaciones lejos del hogar. A Maria y sus amigas se las observa temerosas e inseguras y aun cuando llevan un único hombre a su hogar se las ve intimidadas. Richard cambia de parecer y de humor constanetemente en casa de Jeannie (I dream of Jeannie with the light brown hair! Perdón, se me pego). El punto fuerte y sabia decisión del director, es que decide no juzgar el comportamiento y reacciones de sus personajes. Nos los muestra a nosotros, los espectadores, como una exploración en donde vamos obteniendo diversos puntos, siempre para evitar concluir en la respuesta absoluta.

El Abrazo Partido

Después de que la dieran infinitas veces en Isat y yo no la agarrara nunca, decidí bajar y ver “El Abrazo Partido”. Después de tres semanas de haberla visto decidí escribir sobre ella. Más vale tarde que nunca, supongo.
Mi principal interés por verla era que actuaba Daniel Hendler. No por el hecho de cómo actúa, sino porque la mayoría de la películas que el flaco decide trabajar me gustan. Asi que “El Abrazo Partido” en donde el hace de Ariel, del cual ya muchas veces he leído la critica de que es el mismo personaje que Hendler hace en subsecuentes roles.
Ariel es un muchacho que busca cambiar su forma de vida, principalmente alejarse del mundo que lo rodea en la actualidad, que es el mismo en donde fue criado. ¿Donde es esto? En una galería de negocios y principalmente el negocio de lencería atendido por su madre. Me gusta como te muestra la relación entre los distintos dueños de los negocios, como la galería los une como comunidad. Toda la organización de la carrera como competencia con un negocio exterior me pareció muy divertida.
Pero regresemos a Ariel, quiere irse y lejos, a Polonia si puede ser en donde estas los orígenes de su familia (aunque por los cuales demuestra muy poco interés). Abandonar esa galería que malos recuerdos le trae. O mejor dicho falta de memorias, sobre su padre que le abandono cuando lo abandono de bebe, dejándolo con su madre y su hermano mayor, para irse a luchar a la guerra en Israel. Esto no tiene sentido para el, no es justificación suficiente para desaparecer mas de 20 años. Asi nos encontramos con un personaje lleno de rencor hacia su padre, pero también hacia su madre que no logra entender por que no muestra desprecio alguno hacia su exmarido.
Pero además de este rencor, el además siente miedo. Miedo a tener que pasar el resto de su vida en esa galería. Año tras año con los mismos negocios, las misma personas, el envejeciendo y remplazando a su madre en esa vida tan monótona. ¿Se terminara convirtiendo en Osvaldo, el hombre transparente que no oculta nada y no tiene nada que contar? Estas tribulaciones son las que atormentan al personaje de Ariel.
Me parece que todas estas preocupaciones están muy bien mostradas y mientras que en la película se tocan otros temas interesantes, este fue el que más me gusto. Como que la frecuencia de la película era la misma que la MIA y entonces logramos buena sintonía (agh).
En fin, completamente recomendable tanto para los que busquen pasar un simple rato placentero o para los que también esperan un poco más. Cómica y tiene un par de escenas buenísimas (me gusta mucho la escena en donde la abuela canta y claro que también la de la carrera).

Sobre Hendler: sí, sus personajes tienen una base en común y ademanes similares. Pero los perdono mientras siga apareciendo en buena películas. Mi teoría es que a la hora de crear un personaje piensa que estilo de corte de pelo y barba debe llevar. (en serio, en todas es distinto).

Black Swan

(Iba a comentar sobre "El Discurso del Rey", pero no creo que pueda escribir más de tres renglones, esa película se conforma con satisfacer a todos con su mediocridad. Esta ya se discutió bastante, pero me pareció interesante las diferentes opiniones que genero)

Ya pasaron cuatro días desde que vi esta película, y después de pensarla bastante, darle un par de vueltas, mi opinión (o mas bien mi manera de observarla) cambio bastante.
Esto se debe principalmente a que lo que antes me había parecido su principal falla (a mi y a varios mas) ahora lo tomo como una gran ventaja. La falta de sutilezas, el continuo trazo grueso de la historia, me parece que es algo que la película usa como base para darse cuerpo y forma.
Me cuesta imaginar esos paralelismos entre "El Lago de Los Cisnes" y la transformación por la que va pasando Nina, expresados de otra manera. No por que no se pueda hacer (obviamente que se puede), sino porque no sería algo que encajara con el resto de la producción. Acá todo parece estar exacerbado:
- Las excesivas tomas de cerca (los pies de Natalie, los dedos de Natalie, la panza de Natalie, la cola de Natalie y mas, mas, muchos mas).
- Los personajes que como mucho tenían un dedo de profundidad, todos son casi una caricatura. La madre con esa sonrisa del guasón y todas esas frases sobre mi dulce niña que sonaban bastante perversas, o Mila Kunis que, bueno, tiene un tatuaje asi que eso ya la hace una mina oscura. Son todos negro puro, excepto el de Nina, ella pasa entre el blanco y negro, aunque nunca hay un punto medio.
- Hasta a la genial sobreactuación de Portman. Esa cara de consternada en todo momento, todo sentimiento siempre muy resaltado através de sus caras. Pero es genial y realmente que le den los premios que quieran. Aun con todas estas fallas, logra construir un personaje fascinante(que es básicamente con lo que sucede con la película).
Cada una de estos elementos separados del resto, quedarían desamparados y seria imposible no bajarles como pulgar. Pero como conjunto funcionan, tienen un maravilloso efecto.
Al final todo esto se exagera aun mas hasta llegar a un estado de frenesí al que se suma, la intensidad de la música y los excelentes movimientos convulsionados de la cámara. Todo parece tratar de arrastrar al espectador a ese mismo grado de locura que esta experimentando la protagonista.
No se como seria esa versión de "Black Swan", en donde todo no sea por demás de obvio. Tal vez es buena, pero seria otra película distinta pero probablemente necesitaría otro director y actriz. Yo por mi parte estoy demasiado conforme con esta experiencia grotesca creada por Aronofsky y Portman.

Dazed and Confused

Hay algunas películas que las veo y al instante que terminan tengo la noción de que no solo me gustan sino que se convierten en una de mis favoritas. Como algún sonso amor a primera visión. Este sentimiento logra mantenerse inalterable con el paso del tiempo o sucesivas revisiones. También están las películas que las veo y siento que me gustaron muchísimo, pero a medida que la pienso más y pasan los días, el impacto generado comienza perder fuerza hasta diluirse completamente. Hay otro tipo de películas, y es el que nos compete en la madruga de de este día miércoles lluvioso, que son aquellas que a primera mirada me parecen buenas películas, pero nada del otro mundo y que supongo que al tiempo me olvidare de ellas. Pero para mi sorpresa estas películas no se borran de mi mente, es mas toman fuerza y cada vez que las recuerdo siento mayor "cariño" hacia ellas.
"Dazed and Confused" (1993) es una de esas películas. La vi. Por primera y única vez el 24 de febrero del año pasado. Tenía intenciones de verla nuevamente para escribir este post, pero al final decidí no hacerlo por el momento (toda esta indecisión de mirar o no mirar retraso la entrada un par de días).
La película ocurre en el año '76 y nos muestra a diversos grupos de adolescentes en el último día de clases del año. Por la mañana en el colegio, a la tarde recorriendo casas de amigos o bares y por la noche todas se reúnen en una gran fiesta. Ese es todo el argumento, no hay nada mas, nada complejo, ninguna situación extremadamente dramática, solo adolescentes comportándose como tales.
Es por esto último que creo que la película me ha terminado por gustar tanto. Como el director y guionista Richard Linklater (una de las mentes que nos dio dos grandes películas como lo son "Before Sunrise" y "Before Sunset") logra capturar el espíritu adolescente. Mientras la miraba me resultaba fácil de identificarme con los personajes. Si ocurre en los '70, en un pueblo de Texas (estas historias me persiguen), con situaciones que muy difícilmente se dan ahora. Pero es en la síntesis (me esta costando ser claro) de estas situaciones y personajes donde uno se puede relacionar. Adolescentes sin preocupaciones, que hacen boludeces, jodas y en el fondo piensan "que capo que soy!". No se dan cuenta que tal vez dentro de dos o cuatro o mas años van a mirar atrás a esos momentos y pensar "que boludo que era" (riéndose o reprochándoselo, depende de uno). En el fondo por mas que lo supieran ni les importaría, se divierten, no tienen muchas responsabilidades y tienen esa pizca de rebeldía en punto máximo de ebullición. O también están esos diálogos, conversaciones, pensamientos que uno cree que son profundos. Como en el otro caso también nos vamos a dar cuenta que eran puras boludeces.
Ni si quiera tengo que buscar información para estar seguro que Linklater, baso gran parte de esta película en su adolescencia (nació en el '60 axial que tendría la misma edad que los personajes). Es muy personal y por eso la siento tan fresca y real.

Mas allá de todo esto y sin importar que los que visiten este sitio vean o no la película (o la hayan visto), realmente recomiendo bajar la banda de sonido. Miren el listado de temas y diganme que no vale la pena:

"Rock and Roll, Hoochie Koo" - Rick Derringer
"Slow Ride" - Foghat
"School's Out" - Alice Cooper
"Jim Dandy" - Black Oak Arkansas
"Tush" - ZZ Top
"Love Hurts" - Nazareth
"Stranglehold" - Ted Nugent
"Cherry Bomb" - The Runaways
"Fox on the Run" - Sweet
"Low Rider" - War
"Tuesday's Gone" - Lynyrd Skynyrd
"Highway Star" - Deep Purple
"Rock and Roll All Nite" - KISS
"Paranoid" - Black Sabbath

Killer soundtrack destaca Rottentomatoes. Cierto, muy cierto.

Easy A

Aguante las películas que son una boludez. Pero no cualquier boludez, una boludez bien hecha. Yo soy el tipo que te defiende a muerte “Ni Idea” y “Mean Girls” (en serio hace poco discutí con un amigo porque esta ultima era mejor que “The Hangover”).
Easy A entra en esa categoría de películas. No intenta más que ser un buen entretenimiento. Uno podría ponerse a criticar que la resolución ocurre muy rápido o que los personajes de los padres son un poco irreales, pero no lo voy a hacer por que me sentiría bastante amargo.
Emma Stone es la protagonista y la verdad que la colorada se la banca muy bien. Ella y su voz profunda tienen cierto encanto y presencia, que a uno le da gusto mirarla (en todos los sentidos). Esta acompañada por un gran numero de personajes secundarios (que bien que me cae Patricia Clarkson y también aparece Phoebe haciendo de Phoebe) que le dan mucho dinamismo a la historia.
En fin Easy A cumplió muy bien con mis expectativas de entretenerme. Estaría bueno que hubieses más películas de este estilo que lo lograsen.

Nota: En la historia se hacen un par de referencias directas a las películas dirigidas por John Hughes. Debería mirar alguna. Probablemente empiece con la que no aparece ni Matthew Broderick, ni el de Two and a Half Men.

The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford

Que buena sorpresa esta película. Antes de mirarla me preocupa un poco su larga duración y además estaba Brad Pitt que es un actor ante el cual siempre me sentí bastante indiferente. Para mi suerte, estaba equivocado nuevamente.
La encontré casi perfecta en todos los aspectos. Por ejempl0 la escena del robo al tren, donde hay una toma de la silueta de Jesse James mezclándose con el humo de la locomotora, son unos segundos geniales, que te demuestra la capacidad que tiene el director Andrew Dominik y la excelente fotografía por parte de Roger Deakins. Esa es solo una de incontables escenas de igual calidad que se dan a lo largo de toda la duración.
La dualidad creciente entre estos dos personajes que cuenta la historia, los celos, la obsesión por la fama y el reconocimiento, esta muy bien retratado y logro mantenerme enganchado en todo momento. Excelente la ultima media hora, que funciona casi como un epilogo de toda la historia.
Pero mas allá de todas estas cosas que me gustaron, por lo que realmente quede fascinado fue la actuación de los dos protagonistas. Tanto el trabajo de Brad Pitt como Jesse James y el de Casey Affleck como Robert Ford es impresionante. Pitt compone a un personaje con tantos matices, desde un tipo carilindo, canchero y bastante confiado en si mismo, hasta un hombre perturbado, con una locura y paranoia en aumento. Casey Affleck crea un personaje molesto, nervioso y con aires de grandeza. Una criatura desagradable. Pero la eficacia de Affleck logra transformar su personaje en los momentos que son necesarios.
De lo mejor que vi este año.

Scott Pilgrim Vs. The World

La vi con pocas expectativas. El trailer me había gustado, pero ya no confío mucho en los avances.

Por suerte resulto ser una de las cosas buenas que me paso en este ultimo periodo. Ni siquiera me importa que en la segunda hora decaiga un poco.
Como no le puede gustar a uno si tiene:
Peleas, personas que explotas, peleas con espadas, siete exnovios (todo junto, me mantuve al día) malvados, rock, anna kendrick, lesbianas, gays, mas rock, uno de los mucho hermanos de mi pobre angelito, Egg vs George Michael Jr. , infinitas referencias a videojuegos, guerra de bandas, Jason Shwarztman, muchas frases para destacar, referencia a cómics, un estilo muy nerd y geek, guerra de bandas, a un Michael Cera aguantable!

(Al mismo tiempo creo que la mayoría de estas cosas pueden ser encontradas como justificación de porque esta película es mala en una critica negativa)

Please Give

Dos cosas que concluí cuando termine de ver esta película:
- Como me gusta Catherine Keener, me agrada mucho verla en pantalla. Acá interpreta a una neoyorquina que tiene demasiados complejos con su vida, siente que las cosas que tiene no se las merece. Creo que es un papel que con otra actriz, podría haber sido un persona bastante caricaturesco, muy insoportable de mirar y escuchar, pero la mina logra componerlo de forma real y entrañable. Ella esta muy bien y la película también. Me hizo acordar bastantes a las películas de Woody Allen.
- Confirmo que Amanda Peet tiene el síndrome de Marisa Tomei. Tiene 38 y cada año esta mejor.

Friday Night Lights

Ya mencione a Lost varias veces en este blog, así que me parece injusto no mencionar a la otra serie que me excelente (además de que tengo ganas de escribir sobre ella).
Friday Night Lights no ocurre en una isla misteriosa, no tiene un monstruo en forma de humo negro, ni viajes en el tiempo y ni un pelado sabio. Lo que esta serie tiene son personajes tremendos y reales, además de unas historias que van mas haya de ser una buena idea, porque bien trabajadas. Todo ocurre en Dillon, un pequeño pueblito en Texas en el cual una de las cosas mas importantes son los partidos de futbol americano.
A mi me paso (y estoy seguro que a varios mas) de preguntarme ¿Para que ver una serie que trata sobre un equipo de futbol americano en Texas?¿Por que ver una serie en los protagonistas son un grupito de adolescentes bonitos, que probablemente tengan problemas salidos de telenovelas? o sino ¿porque ver ua serie que tiene imágenes promocionales como esta (o esta otra)?Realmente es difícil que uno se interese en esta serie por que lo que parece ser a simple vista (y por lo que el canal la intento vender).
Sí, ocho de los diez personajes son adolescentes bonitos, pero una vez que uno acepta ese dato superficial se encuentra con que cada uno tiene historia muy interesante. Todos tienen dudas en sus vidas, la mayoría tienen una vida de mierda llena de responsabilidades que uno no debería tener a esa edad. Todos están encerrados en un pueblo que odian, algunos quieren irse lejos y poder triunfar otros simplemente quieren salir de ese lugar. Y a lo largo de la serie vemos como van creciendo, trasformándose por diversas circunstancias, los vemos caer, levantarse y volver a caer mas abajo. La serie no teme en ser real y no concede a todos sus personajes un final con el que viven felices para siempre (por suerte no concede a ninguno este final). Las resoluciones tienden a ser agridulces o completamente tristes. (Sí la serie por momentos es un bajón, que yo ya aprendí a verla siempre, por las dudas, con un pañuelo en la mano).
Los otros dos personajes son los que aparecen en la foto de arriba, los personajes principales y la fundación de esta serie. El entrenador Eric Taylor y su esposa Tami. Creo que no hay forma de explicar la genialidad de estos personajes y su relación. Como se relacionan y ayudan a estos chicos, además de lidiar con sus propios problemas laborales, económicos y familiares entre otros. Voy a citar una amiga que enganche con la serie lo que dijo sobre ellos: "pasa que funcionan tan bien porque parecen una pareja real, discuten de las cosas que discuten mis viejos y de la misma manera que ellos". Mi amiga tiene toda la razón, mientras unos los ve, se olvida totalmente que estos personajes son ficticios. y lograr eso es un espectador me parece impresionante. Gran parte de este efecto se debe a las espectaculares interpretaciones por parte de Kyle Chandler (¿alguien se acuerda cuando este señor hace varios años recibía el periódico del día de mañana?) y Connie Britton. Juro que si estos dos actores hicieran una serie, que los mostrase a ellos dos (sin interpretar ningún rol) tomando un café y charlando por una hora, yo seria una persona muy feliz. Tienen una química impresionante, que por lo que vi y lei en entrevistas va mas mucho mas allá de sus trabajo delante de las cámaras. (Por fin este año los chotos de los Emmy se dignaron a nominarlos en sus roles protagónicos como bien merecido lo tenían).
Como mencione una de las cosas que tenía miedo antes de empezar a ver este serie fue el tema del futbol americano, que es un deporte que nunca me intereso en lo más mínimo. Los creadores aciertan en usar al futbol en forma de vinculo entre los personajes, y muchas veces se lo utiliza para avanzar las historia y generar situaciones entre los protagonistas.
Otras cosas muy cortitas que no puedo dejar de mencionar:
-La música: Explosions in the Sky, Jose Gonzalez, Daniel Johnston, The Flaming Lips Iron and Wine, y muchas mas genialidades
-Como tocan temas que ya hemos visto miles de veces en series o películas, pero siempre logran contarlo de una forma real y con la cual uno realmente puede vincularse
-No puedo dejar de mencionar las formidables actuaciones de los mas jóvenes, entre ellos Zach Gilford y Adrianne Palicki. Hasta algunos que empezaron siendo de madera (Amy Teegarden, Taylor Kistch) terminan logrando cosas tremendas.

Seguramente me olvido de algo, que después termine escribiendo en la sección de comentarios. Pero creo que ya me extendí mucho, pero mi cariño por este Devil Town no tiene limites y no quería dejar de darle este homenaje ahora que la fecha del inicio de su quinta y ultima temporada esta tan cerca (27 de octubre agendadisimo).

Mind Game

Es muy difícil describir el argumento de "Mind Game". Imaginen a un flaco al cual el Maradona oriental le pega un balazo en la cabeza. Pero una vez muerto logra obtener otra oportunidad de vivir. Ahí decide que de ahora en mas va a vivir la vida de forma alegre, positiva y hasta heroica. Eso es parte del comienzo, a medida que avanza la película, va mutando y delirando hasta terminar en una gran referencia a una vieja película de Disney.
La película es un gran festín audiovisual. Mezclando diversos tipos de animación (todos siempre con una gran gama y variedad de colores) y acompañada por una banda sonora muy surtida que incluye bossa nova, canciones con pianola o redoblante.
El mensaje esta transmitido de forma clara y precisa através de las imágenes y comportamientos de los personajes. En cambio la trama es presentada de forma confusa y desordenada(al menos la parte del inicio que lleva a la historia principal). Me parece que el director le da la información necesaria al espectador para intentar armar toda la historia de forma ordenada y completa. Pero a su vez, le deja la oportunidad de que la vea como una gran explosión artística sin necesidad de que todo se ordene de forma prolija y perfecta o que todo asá este generado por un así. Me copo bastante esta dualidad que genera el director a la hora de plantear la película. Yo elijo verla de la segunda manera, porque Mind Game funciona realmente bien de esa forma.
Recomendadísima.

The Ghost Writer

Cuando era chico (un infante me refiero) las películas que miraba, las solía ver de mañana (casi siempre en los fines de semana. Nunca se me hizo una dificultad despertarme temprano y era muy ansioso por ver el vídeo que había alquilado la noche anterior. Después por diversas razones esta costumbre se fue transformando en algo menos estructurado con el paso del tiempo.

Ayer aprovechando la combinación de que no tenia clases y que el día estaba nublado, decidí después de muchos años volver a darme una sesión de cine matutino. Seleccione al azar entre la torre de películas que tengo grabadas sin haber visto. Así fue como termino viendo "The Ghost Writer". Nunca vi nada de Polansky, no sabia de que se trataba, sabia que actuaba Ewan McGregor y Pierce Brosnan por este poster horrible.

La historia gira alrededor del personaje de Ewan lo contratan como escritor oculto para que reescriba las memorias del antiguo primer ministro ingles (007). Bastante jugado de su parte si tenemos en cuenta que de política no tiene idea y que su antecesor en el cargo se suicido de forma misteriosa.

Fue una sorpresa muy placentera. Dos hora de intriga muy bien construidas. Mientras miraba la película no podía dejar de sentir que tenia un estilo muy similar al cine de Hitchcock (principalmente Vertigo o North by Northwest). A través del suspenso que va en aumento, o como nosotros (al igual que el protagonista) no tenemos idea lo que sucede, la música o el desarrollo de la historia (donde McGregor descubre secreto mas secreto, diversas pistas que lo hacen perderse mas dentro de este misterio).

Para terminar con etse palabrerio asqueroso: una película de suspenso que logre crear ese efecto, siempre es bienvenida. Buen regreso al cine mañanero.

Gummo

Gummo nos muestra a los habitantes de un pueblo en Ohio que una vez fue arrasado por un tornado (escepto algunas referencias la película se decide ser atemporal). La narración es casi inexistente, por momentos esta filmada con estilo documental y nos van mostrando a distintos habitantes del lugar.

En las primeras escenas de la película me preguntaba por que tal personaje actuaba de tal forma y por que este otro hacia esto. Después me detuve y acepte que todos estos personajes eran muy extraños. Ninguno tiene obligaciones y todos parecen tener un desinterés en sus vidas. Están ahí como esperando que la vida pase y para pasar el rato matan gatos, aspiran pegamento, pelean con sillas, se viste como conejos, entre muchas otras actividades. Todo esto esta acompañada por una banda sonora que tiene temas como Everyday o Like a Prayer mezclados con un death metal sacadisimo. Es muy rara toda la película, en momentos tan absurda que me hizo reír y en otros muy depresiva.
La podes odiar y no parar de putear o te termina gustando mucho (a medida que pasa el tiempo me siento mas cerca de lo ultimo mencionado). Lo que estas escenas no te dejan es sentirte indiferente ( y si te sentís así, probablemente seas uno de los personajes que aparecen acá)

The Thin Red Line

No me gustan las películas de guerras. Siempre hay muchos héroes, mucha identificacion de persona buena o persona mala, mucho estereotipo.
Entonces ¿Por que decidí mirar una película sobre un conflicto en Guadalcanal durante la segunda guerra mundial? Me gusto la anterior Malick (el director) que había visto, Days of Heaven y había leído muchas recomendaciones de esta, asi que despues de estar 4 meses grabada en un cd decidí mirarla (tenia un poco de miedo de encontrarme con un bodrio, además dura 160 minutos).
Me alegra mucho haberme animado. La película no es batalla tras batalla, llena de explosiones, humo y polvo, es mas bien un análisis visual y bastante poético de la guerra y la humanidad. Es sobre el amor, sobre la fe en otros y en nosotros, la amistad, la moral, sobre el eterno conflicto entre el hombre y la naturaleza. Es sobre el ser humano, sobre la vida. Me hizo acordar a mucho Lost (o lo que al menos de lo que yo creo que se trataba lost).
A lo largo de toda la película vamos escuchando los pensamientos, las esperanzas y miedos de algunos soldados. La idea de tener una voz en off durante toda la película puede parecer un poco pensada, pero funciona muy bien, para lo que el director quiere transmitir y para sentir mas. No se necesitan tener unos anteojitos de 3d para sentirse "metido" en la película.
Además esta muy bien filmada (la escena de la conquista de la colina es genial).
Me gusto muchisimo. Me gusto tanto, que ya hace un mes que la vi, pero todavía la tengo muy grabada y fresca en la cabeza.

Arrested Development

Que buena serie para pasar estas vacaciones de invierno. Es una comedia y eso que yo que no logro reírme con las famosas "The Big Bang Theory", con "The Office" (se me hace pesada después de dos episodios) o con "Two and Half Men" (esta ultima ni siquiera la puedo mirar, odio a sus protagonistas, a los actores y al pelo raro de Charlie Sheen), con esta lo conseguí.
La historia de una familia mas disfuncional que la de los Tenenbaums. Con humor por momentos absurdo, que se da por confunciones o los delirios de los miembros de la familia Bluth. Creo que uno de los puntos fuertes de la serie es que sus nueve personajes son todos graciosos, todos funcionan, ninguno se vuelve cansador o tedioso, ni los autores abusan de ellos. Imposible no reírse con GOB, el hermano mayor con sus intentos de convertirse en mago. O con las ridiculeces de Tobias, el cuñado analista y terapeuta que intenta ser exitoso en su nueva vocación de actor. Los personajes secundarios también suman mayor locura a este mundo. Un capo Jason Bateman como protagonista, que le toca el rol de pobre tipo que tiene que lidiar con todos los quilombos en los que lo mete su familia.
Corta (53 episodios de 20 minutos es nada) y cómica. Totalmente recomendable.

Paranoid Park

Me comporto de forma extraña con la películas que me gustan mucho. Después de la primera vez, transcurre un largo rato antes de que la vuela va a ver. Es estupido, pero creo que me da miedo que se pierda ese encanto o cosa que me había gustado tanto en la primera visión. En el caso de Paranoid Park pasaron dos años y cuatro meses antes de que la volviera a ver.
En la película tenemos como protagonista a Alex, un adolescente como cualquier otro. Va al colegio, tiene una novia, le gusta escuchar música y andar en skate. Una noche diversas razones lo llevan a cometer un acto que comienza a transformar su mundo.
Me gusta mucho como esta tratado el tema que cuenta. No solo es el acto lo que redefine al personaje de Alex, también lo es el hecho de que decide cargar con este evento por si solo, sin contárselo a nadie. Tiene miedo de las consecuencias, siente culpa. Todo esto lo va carcomiendo en su interior y el comienza a alienarse del mundo que lo rodea. Hasta se nos muestra como el personaje lucha y se esfuerza por contar toda su historia y sentimientos en unas hojas de papel. Lo que Gus Van Sant hace y logra acá es increíble.
Todos lo elementos de la película están utilizados para envolver al espectador. Para reforzar el estado en que se encuentra Alex y para que uno comprenda como se siente. La (siempre maravillosa) fotografía de Christopher Doyle, con esas imágenes granuladas en donde seguimos a los skaters dando vueltas en la pistas. O las tomas enfocadas en el protagonista, en las cuales todo lo que lo rodea es borroso, logrando intensificar el sentimiento de desinterés de Alex por el mundo. O esa rara música francesa que hace parecer todo un sueño (pesadilla) y a Alex en un estado de sonámbulo. O la historia contada toda desordenada por que es el protagonista que así decide hacerlo a la hora de escribir en su cuaderno y nos van mostrando distintas partes hasta al final en donde se completa el rompecabezas.
Creo que la termine disfrutando mas que la primera vez. Todo parece ser lo indicado y fluye naturalmente. Todas las cosas se conectan en un mismo punto, transformándose en un conjunto armonioso y creando una película de puta madre. Gracias Gus, muchas gracias.

Toy Story 3

Nunca hubiera pensado que después de la segunda, que una tercera parte fuera necesaria. Que equivocado estaba. Cerro un ciclo. Es genial y hermosa.
Que buen cine.

Pixar (parte 3)

Ratatouille (2007):
Después del desvió que resulto ser Cars, Pixar retoma la carrera de la genialidad. Vuelve Brad Bird y nos da la que es, para mi, la mejor película del estudio hasta el día de hoy.
Tenemos a Remy, una rata que con su hermano y padre forman parte de una ¿comunidad? Lo que sucede es que Remy es distinto a las demás ratas. Tiene otros interés, ambiciones y deseos. El quiere ser cocinero. Ya posee un don natural o habilidad innata, sabe combinar diversos ingredientes, tiene un olfato desarrollado que le permite determinar alimentos y en que condiciones se encuentran. Pero a nadie de su familia para interesarle esta capacidad que posee. Se encuentra atrapado en una vida que no le interesa (un poco similar a lo que sucede en “The Incredibles”, pero con razones distintas).
Por diversas circunstancias Remy es separado del grupo y llega a un restaurante de París. Ahora tiene la posibilidad de cumplir su deseo, convertirse en chef. Sabe que no va a ser fácil, pero igualmente va a dar su mejor esfuerzo, aun sabiendo que esta decisión va ir encontra a lo que espera su familia de el. Esos son los dos puntos que trata Ratatouille. Todo sueño se puede cumplir, si uno se esfuerza y nunca deja de creer que es alcanzable. Si, ya se que es un tema que ha sido tratado millones de veces en películas, libros, series y mas, pero no me parece algo negativo mas si esta desarrollado de una buena forma.
El otro aspecto del que habla Ratatouille es que, así como Remy, nosotros los humanos tenemos que decidir entre tomar nuestro propio camino o uno impuesto por la familia. También si es mejor ser respetado por hacer cosas que no nos gustan o perder el respeto de otro por hacer cosas que si disfrutamos. Que magnifica esta pequeña rata.
Hasta si te chupa un huevo estos mensajes, la película tiene mucho humor (Remy controlando a Linguini a través de los pelos es original y cómico), una animación bellista (que linda París, que lindo como casi todos los colores de la película acompañan a los de la ciudad) y una historia entretenida.
Le voy a dedicar este ultimo párrafo a la ultima frase de Anton Ego, que me parece simplemente maravillosa:

Anton Ego - In many ways, the work of a critic is easy. We risk very little yet enjoy a position over those who offer up their work and their selves to our judgment. We thrive on negative criticism, which is fun to write and to read. But the bitter truth we critics must face, is that in the grand scheme of things, the average piece of junk is probably more meaningful than our criticism designating it so. But there are times when a critic truly risks something, and that is in the discovery and defense of the new. The world is often unkind to new talent, new creations, the new needs friends. Last night, I experienced something new, an extraordinary meal from a singularly unexpected source. To say that both the meal and its maker have challenged my preconceptions about fine cooking is a gross understatement. They have rocked me to my core. In the past, I have made no secret of my disdain for Chef Gusteau's famous motto: Anyone can cook. But I realize, only now do I truly understand what he meant. Not everyone can become a great artist, but a great artist can come from anywhere. It is difficult to imagine more humble origins than those of the genius now cooking at Gusteau's, who is, in this critic's opinion, nothing less than the finest chef in France. I will be returning to Gusteau's soon, hungry for more.

WALL·E (2008):
Me acuerdo que cuando la vi por primera vez (haya en vacaciones de invierno del 2008 en cines), salí del cine totalmente encantando, como si hubiera visto magia. Casi dos años después ese entusiasmo ha disminuido con sucesivas revisiones, pero todavía sigo encontrando en algunas escenas la belleza que vi la primera vez.
Los primeros 40 minutos son perfectos. Estamos en el 2105 y el planeta tierra parece estar muerto, contaminado, inundado de basura por lo que el ser humano a sido evacuado para que los robots puedan limpiarla en un periodo de cinco años. Ese plan fallo estrepitosamente. Los cinco años se convirtieron en setecientos y el único robot activo es WALL·E.
Me gusta como en esta primera parte no existe dialogo alguno, refuerza esa soledad en a que vive diariamente WALL·E. Como en casi todas sus películas, Pixar le otorga sentimientos y vida a sus personajes. La diferencia es que acá le dan una razón al por que de esos sentimientos humanos. Por estar tanto tiempo en contacto con el mundo humano, WALL·E desarrollo la capacidad de sentir. Se interesa en diversos objetos que encuentra y los colecciona en su hogar (hasta tiene un lugar propio), baila al ritmo de Barbra Streisand en “Hello, Dolly!” y se enamora de EVE, una nueva robot que es enviada para analizar la tierra. Es genial verlo a WALL·E actuar como un adolescente nervioso cuando se encuentra cerca de ella o como le hace compañía una vez que EVE queda en estado de suspensión.
Mi problema con WALL·E surge una vez que nos encontramos dentro de la nave espacial. Aparecen los humanos (que son mas robóticos que los robots reales), mas robots, hay mayor aventura con persecuciones, idas y vueltas. No es que sea malo (es muy entretenido), lo que no me gusta es el cambio brusco de estilos que se producen entre las dos mitades.
La película tira un montón de palazos al ser humano, la tecnología y el desinterés por nuestra tierra. Es muy interesante lo que dicen y lo hacen de una forma bastante directa, esperando que así mas personas tenga la capacidad de captarlo.
WALL·E es una muy buena película, pero para mi podría haber sido excelente. Algo mas que me olvidaba remarcar, la escena del baile entre WALL·E y EVE es hermosa y una de las mejores de Pixar.

Up (2009):
Cuando uno piensa en Up es imposible que a uno no le venga a la mente sus primeros diez minutos. En ese lapso nos muestran toda la historia de una pareja, desde el inicio cuando se conocen de niños hasta el final con la muerta de ella. En esos pocos minutos nos muestran los momentos mas felices y lo mas tristes. Esta muy bien hecho, la animación, la transición entre escenas y la música de Giaccino acompaña de forma excelente como si fuera un personaje mas.
Una vez que termina esta secuencia vemos que Carl, se ha convertido en un viejo amargado, sin animo de vivir. La muerte de su esposa lo golpeo duro y no ha podido avanzar con su vida. Esto es por que el siente que no ha podido cumplir el sueño de su esposa, viajar, o tener una aventura, a Paradise Falls. Todavía se encuentra empecinado en cumplir ese sueño, así que decide agarrar su casa con globos inflados con helio y viajar volando hacia allá.
Ese es el punto que trata Up, aceptar las cosas buenas o malas que nos suceden en la vida y que podamos ser capaz de seguir adelante, que aun si no podemos hacerlo solo siempre podemos contar con otras personas para ayudarnos mutuamente. Carl no muestra ningún interés en los problemas del boy scout Rusell o el pájaro Kevin o Dug el perro que habla, esta obsesionado en cumplir su misión y promesa. Pero Carl abre lo ojos cuando ve su obsesión reflejada en la de Charles Muntz, su ídolo de la infancia.
Es realmente una gran aventura llena de momentos divertidos. Pero acá me sucede algo similar a que con WALL·E, los primeros momentos son tan buenos que el resto de la película nunca llega a estar a esa misma altura.
También tuve un gran problema con la idea de perros piloteando aviones. No se por que es esto, nunca tuve ningún problema en aceptar en una casa que vuela con globos o juguetes con vida o una rata cocinera , pero me pareció un toque excesivo. Como lo autos que hablan en Cars, esta escena de Up me saco de la historia y borro toda la emoción que iba tomando la aventura.
Pero sacando de eso de lado, Up merece ser vista por la historia, que no estará contada de la mejor forma, pero es una historia con momentos divertidos o emocionales que funcionan a la perfección. No me puedo olvidar tampoco de remarcar la antes mencionada banda sonora de Michael Giaccino que es bellísima y acompaña a la película de forma perfecta de principio a fin.