El Último Elvis

El Último Elvis – 2012, Armando Bo / John McInerny; Griselda Siciliani; Margarita López.

“Tranquilo amigo, el show debe continuar.”

Seguimos con el cine nacional. Ya van cuatro al hilo, es raro, estoy seguro que es la primera vez que me sucede. No fue algo organizado sino que la elección de las mismas se fue dando naturalmente. “El Último Elvis” se estreno el mismo día que “Los Vengadores” y siendo un ex-lector de cómics estaba (estoy) muy interesado en verla, mientras que de la primera ni sabía de su existencia unos pocos días previos a su estreno. Por una combinación de eventos (fui durante la tarde al cine, tuve miedo a que hubiese mucha gente, mucho niño y adolescentes, miedo al pororo y además sentí una cierta atracción por el título del film de Bo) termine viendo la argentina.
Teniendo en cuenta de que justo venía con la seguidilla de cine nacional voy a empezar comentando el fuerte contraste que se entre esta y las otras tres (De Caravana; Las Acacias; UPA! Una Película Argentina) desde el punto de vista del valor de producción. La película tiene una muy buena calidad de imagen y por momentos luce bellísima (también influye, y se demuestra, la capacidad de Bo y del director de fotografía Javier Julio), además de presentar un número amplio de canciones de Elvis de las cuales tuvieron que conseguir los derechos y unos sets muy bien logrados (uno en particular que no voy a mencionar). Hay una inversión muy grande que por suerte no esta para nada desperdiciada.
Por suerte “El Último Elvis” es mucho más que una “linda” fotografía. Es la historia de Carlos Gutiérrez un empleado de una fábrica de electrodomésticos en el Gran Buenos Aires. Tiene una familia, pero el nunca parece haber representado su rol dentro de ella. Presenta un aspecto deteriorado, venido a menos, aparentando más años de los que realmente tiene. Nada de su vida es remotamente envidiable.
Pero la situación cambia por la noche cuando Carlos se pone su disfraz y cantando ante un grupo de personas, iluminado, Carlos deja de existir, todos sus problema quedan atrás. Él es Elvis Presley. La reencarnación de su persona o únicamente su voz, sin importar que él encarna el papel tal cual es. Esta transformación, conversión a ídolo, funciona como escape de la realidad. El no quiere ser Carlos, a el se le dio un don, su voz, y lo debe usar. Esta destinado a ser Elvis, o al menos el vive con la esperanza de que así sea.
Sus dos personas chocan en conflicto interno producido por su familia (esposa e hija). No hay maldad en sus actos al pedirle que abandone su rol de Elvis, si hay una necesidad de una padre y un esposo que el cantante nunca podrá ser pero que tal vez Carlos sí. Pero esta súplica parece ser demasiado para él. Abandonando a Elvis estaría perdiendo toda su razón de ser, viviría una vida gris, la vida de Carlos, sin esperanzas ni motivaciones. No se puede conformar con eso, tiene que haber algo más (cosas mayores) en la vida que eso.
Armando Bo logra construir y mostrar esta dualidad mediante pocos diálogos poniendo toda su confianza en las imágenes. Tampoco siente la necesidad ni obligación de realizar un montaje con mayor ritmo y frenesí para atraer mayor público. Con este tono calmo y silencioso se ayuda al espectador a comprender el personaje de Elvis/Carlos.
Es también destacable el labor de John McInerny del cual la actuación no será su fuerte pero cuando se encuentra arriba de un escenario cantando temas como “Unchained Melody” se convierte en una verdadera estrella y no cabe dudas que su personaje es Elvis Presley (además desde el punto de vista actoral esta muy bien resguardado por parte de sus secundarias, Siciliani y Lopez)
Me alegra haberme perdido “Los Vengadores” porque tuve la posibilidad de encontrarme y sorprenderme con “El Último Elvis”, la historia de una héroe clásico persiguiendo sus sueños en el conurbano bonaerense.

Lo Mejor de Marzo: Copie Conforme

Copie Conforme / Copia Certificada

2010, Abbas Kiarostami / Juliette Binoche; William Shimell

Los pósters pueden influir mucho cuando elijo ver una película. No necesariamente deben ser “lindos”, pero sí tienen que tener algo que logre llamar la atención. En el caso de “Copie Conforme” tenemos un primer plano de Juliette Binoche contrapuesta al fondo, un cuadro bastante colorido (http://bit.ly/Ail8MZ). Funciona perfecto, capto totalmente mi interés y desde que lo mire quise ver esta película.
No me informe nada más sobre ella y cuando la vi me encontré con una película que se podría definir, toscamente, como una versión más adulta y abstracta de “Antes del Amanecer/ Atardecer” (es más, el protagonista tiene tiempo hasta las 9 así que esta podría ser un “Antes del Anochecer”). Este film de Kiarostami esta formado por dos partes muy definidas y diferentes, que puestas en conjunto logran una gran obra cinematográfica. Se parte desde una idea, una teoría, que en la segunda parte del largometraje es llevada a la practica.
Teoría. El protagonista masculino, James Miller, se encuentra presentando su libro de arte, que comparte el nombre de la película, en la Toscana. Con él James busca revalorizar el poder y la importancia de la copia. Quiere demostrar que las copias son valiosas por que muestran al original y de esta manera certifican su valor. Este es el planteo que el director hace en los primeros diez minutos y no es un enfoque que solo se limite al arte. Acá también somos introducidos al personaje de Binoche (sin nombre, acreditada como “Elle”, tal vez es alguna familiar de Kiarostami, o mi vieja, o tu hermana, o cualquiera), madre soltera que tiene un negocio de venta de obras de arte.
Ella y James comienzan a recorrer las calles de un pequeño pueblo de Italia debatiendo sobre la relación entre copias y originales. Intercambian pensamientos, puntos de vista y debaten ¿puede una copia ser mejor que el original? ¿Que es algo original? Kiarostami nos muestra estas opiniones enfrentadas, pero no se pone a favor de ninguna posición e invita (nos invita) a pensar sobre el tema y a formar una opinión propia. Gran gesto el de él en su intención de expandir nuestras mentes.
Práctica. La situación cambia drásticamente a mitad de la película cuando una empleada de un bar los confunde por un matrimonio y ellos, a partir de ese momento y hasta el final, deciden jugar con esta idea y comienzan a actuar como si realmente lo fuesen. Uno, como espectador, se ve inmerso y atraído por esta improvisación que ellos realizan. El manejo de cámara por parte del director influyen en este sensaciones de sentirnos parte del film, con la cámara en primera persona, por momentos somos James y en otros casos ella (notemos que una conversación que ocurre en un bar al inicio de la película entre ella y su hijo esta filmada desde un ángulo distinto, ahí todavía somos externos a lo que acontece). Nos miran, nos hablan, nos reprochan y liberan todos sus sentimientos, por momentos uno siente que si se pone hablar va a poder entablar un dialogo con Juliette Binoche (tremenda ella, logra abarcar un gran rango de emociones en cuestión de pocos minutos).
Uno comienza a confundirse y te entra la duda de que tal vez lo que fue un juego y una mentira era ese encuentro del principio, tal vez en realidad ellos si son una pareja que están casados hace quince años. ¿Son originales o copia? Y si son copia ¿disminuye el valor o veracidad de lo que están diciendo? ¿Acaso no vivimos rodeados de copias? Las personas se reinterpretan como reproducciones [ella dice que su hijo es la copia exacta de su padre (¿no somos todos, en parte, reflexiones de nuestros antepasados?)] y nuestros ritos sociales (como en la película todo ese desfile de jóvenes novias que se sacan fotos con el árbol dorado) son reimpresiones pero eso no significa que pierdan valor.
Copia Certificada funciona como un huracán que te agita mucho el cerebro, te hace reflexionar y plantearte cosas que probablemente hasta el momento no habías hecho. Generoso Abbas Kiarostami al compartir sus ideas a través de esta gran película y al final dejarnos pensando por largo tiempo.

Sangre de Vírgenes

Sangre de Vírgenes – 1968, Emilio Vieyra / Rolo Puente; Susana Beltran; Walter Kliche.

¿Una película Argentina de vampiros? ¿Y del ’68? ¿Que carajo viste? Se preguntaran algunos (o a decir probablemente nadie lo haga, pero déjenme delirar) y por eso me siento obligado a contar un poco de la historia de cómo termine viendo esta película nacional, pionera en el genero (creo que eso debe ser lo único más o menos positivo que uno puede decir sobre ella).
En el blog de cine “El Día de la Tromba” el amigo bloguero mge comenzó a trabajar como visualisador de las películas de canal Volver. Como forma de atenuar el dolor físico y psicológico que estas le causaban decidió compartir reseñas de algunas de ellas en su página ( http://bit.ly/oplgFh ). Al final del ciclo como forma de expandir el mal decidió dar dos de estas torturas cinematográficas, haciéndolas pasar por premios, a todos los que habíamos seguido de cerca esta sección.
Así es como después de meses de juntar mucha fuerza y prepararme mentalmente me anime a ver “Sangre de Vírgenes”. Desde el vamos voy a mentirme y pensar que la decisión de los creadores de no respetar ni un poco las reglas básicas de los vampiros se debe a que ellos eran tipos transgresores y querían mostrar una nueva mirada sobre estos personajes. Vemos entonces que los vampiros nacionales de los sesenta duermen de noche y viven a plena luz del sol, mientras que los oscuros y pocos amistosos murciélagos han sido cambiados por blancas gaviotas.
La acción transcurre en Bariloche y en los primeros cinco minutos, a través de una pegatina de escenas, nos cuentan la historia del amor entre el vampiro Gustavo y Ofelia. Los padres de ella, la obligan a casarse con su primo Eduardo, pero Gustavo se niega a perderla y en la noche de bodas mata a Eduardo y termina transformado a Ofelia en vampiro para tenerla junto a su lado para la eternidad (los vampiros emos y románticos existían mucho antes que Crepúsculo)
Luego de esto la película pasa centrarse en un grupo de jóvenes que esta de vacaciones en la ciudad. Bariloche, pura joda y descontrol, meta tocar tetas y ponerla (vaya uno a saber a que vírgenes se refiere el titulo). Se la pasan bomba, disfrutan de la nieve y los boliches (esto nos los muestran en un gran montaje que también entremezcla gaviotas [malignas!] en un fondo rojo [sangre!], primer planos de besos [hormonas!] y tomas poéticas de los rayos del sol atravesando los árboles [inspiración de Mallick, seguro!].
Todo es joda hasta que una noche quedan varados en un camino y se encuentran con una cabaña abandonada en el medio del bosque (Vieyra para demostrar conocimientos del genero, decide mezclar mucho elementos del cine de terror). Allí se encontraran con Gustavo y la infeliz Ofelia. Después de muchos mordiscos de cuello y mas tocadas de tetas, nos damos cuenta que Emilio realmente no tenía idea para donde quería que fuese esta historia, ya que estuvimos una hora dando vuelta con estos jóvenes al pedo porque ninguno tiene influencia en la resolución de la historia de Ofelia y Gustavo (sí interviene el fantasma[!] de Eduardo) .
Cuando parece que los vampiros por fin han sido aniquilados Vieyra demuestra su capacidad nula como director al intentar sacarnos de nuestro sopor al “sorprendernos” mostrándonos que Gustavo y Ofelia consiguieron sobrevivir al transformarse en gaviotas malignas ¿Cómo están vivos?¿Por que Ofelia querría escaparse para vivir un vida que no quiere? No tengo idea y estoy seguro que menos la tenia el director.


Antes de terminar quiero dedicarle un momento a Gloria. Debemos suponer que como tus amigas Laura Y Beba fuiste secuestrada por los vampiros, pero ninguno de tus amigos pregunto por tu paradero, ni demotraron preocuparse o tener interés por vos. Pero yo sí. Desde ese momento en que decidiste que te chupaba un huevo que justo hubiese siete copas en la mesa (coincidiendo con el numero total que ustedes eran) y para demostrarlo rompiste una, sin importarte que uno de tus amigos quedara sin copa. Ese ataque de pelotudez máxima, por tu toxica juventud, logro captar mi interés vos.

Q.E.P.D

Lo mejor de Febrero: Hugo

Hugo / La Invención de Hugo Cabret – 2011, Martin Scorsese / Asa Butterfield; Chloë Grace Moretz; Ben Kingsley.

“Un niño huérfano se aferra a la idea de que su padre le dejo un mensaje a través de un acertijo que debe resolver” Sí yo leo eso realmente pienso que existe la posibilidad de que esta sea una idea salida de la mente de Cris Morena. Por suerte este no es el caso, detrás de este ambicioso proyecto se encuentra el conocido y experimentado Martin Scorsese.
Como director, Scorsese, logra trasladar a la pantalla una historia con muchas capas. Por encima de todo se nos presenta este pequeño mundo que es la estación de París en donde ocurre la aventura de este niño. Resolviendo incógnita tras incógnita Hugo intenta encontrar algo que sea de valor para el. Hay una constante necesidad de darle significado a las cosas. Su amiga, Isabelle, busca que es lo que esta destinada a hacer para poder darle un sentido a su vida, mientras tanto él sabe que esta en su destino resolver estos misterios pero no tiene en claro cual es el significado de su búsqueda. Creo que una de las mejores cosas que tiene la película es ver como Scorsese logra mediante esta aventura crear una sensación de fantasía y magia sin recurrir a elementos de ese estilo (creo que realmente que el 3D aporta a esto).
“Hugo” trata también sobre la maquina, la relación que existe entre ella y el ser humano, la dependencia y su importancia que tiene en el ser humano (ya sea mediante relojes, trenes, autómatas o proyectores de cine). Pero no esta visto en forma de reproche o como critica, sino que se lo muestra como un triunfo. Un festejo a las invenciones que ha logrado el hombre partiendo desde la curiosidad, investigando y usando su creatividad e inteligencia.
Además es una película sobre cine. Uno realmente puede sentir cuan personal se pone Scorsese con respecto a este aspecto de la trama. Decide brindarle un homenaje a este maravilloso mundo al que él pertenece.
Siempre me parece interesante cuando un director se vincula tan personalmente con el argumento de una película, se le agrega una gran cantidad de sentimiento y carga emocional, más allá de cómo sea el resultado. Por ejemplo en The Tree of Life, Mallick realiza un registro del periodo de la infancia del protagonista a través de experiencias propias. Dejando influir situaciones tan personales logra un representación verídica de esta etapa de la vida ( para mi esta no es solo la mejor parte de la película sino también lo mejor que ha filmado Mallick hasta el momento).
En “Hugo” sucede algo similar. Mediante estos personajes Scorsese decide mostrarnos cuanto significa y que importancia tiene el cine en su vida. No, no solo nos muestra, además nos invita a que nos contagiemos de esa fascinación que el tiene por este arte. (Admito que salí con ganas de ver alguna de las películas de George Méliès).
Por sobre todo “La Invención de Hugo Cabret” es una celebración. Martin Scorsese definitivamente encontró su destino hace mucho tiempo y esta película es simplemente una gran carta de agradecimiento a la vida.

Lo peor de Febrero: The Descendants y el estudio (mezclado con calor eh)

The Descendants / Los Descendientes – 2011, Alexander Payne / George Clooney; Shailene Woodley.

Voy a suponer que Alexander Payne tenía en su cabeza la idea para una película que sonaba, pero esto no era suficiente para él y decidió ponerse como meta la intención de hacer una historia con la que el publico llore. Como no estaba seguro de cómo lograrlo le pego un tubazo a Alejandro Gonzalez Iñarritu. En la larga conversación que estos tuvieron, el mexicano le dejo algo en claro: para conseguir lo que buscaba era necesario que mostrara personajes sufriendo, llorando y mucha miseria humana. Payne encontró este consejo muy útil pero al mismo tiempo no quería que su película pareciese tan extrema, además necesitaba respetar ese toque de cinismo que esta presente en el resto de su filmografía. Entonces tomo los elementos que dijo Iñarritu, los introdujo en una historia de ricos que viven en Hawai y que tiene como banda sonora a unos ukeleles de sonidos melancólicos. De esta mezcla salio el garrón que es “The Descendants”

Lo mejor de Enero: John Cassavates y el río.

-A WOMAN UNDER THE INFLUENCE-
John Cassavetes, 1974 / Gena Rowlands; Peter Falk.

Y yo que me estaba quejando por lo pobre que había empezado el 2012 en materia cinematográfica. Por suerte apareció John Cassavetes, me dio un par de bifes y me hizo cambiar de opinión.
Venía con ganas de ver esta película desde hace ya mucho tiempo y una vez que la tuve en mis manos por alguna razón deje reposar el CD por 8 meses. Finalmente una tarde al azar decidí verla y suerte la mía, porque me encontré con algo maravilloso.
No tenía en claro cual era la trama, ni sabía como era el cine de Cassavetes. Con “A Woman…” se me abrió las puertas a otro tipo de cine hasta ahora no explorado, uno lleno de emociones y vitalidad, tan real que por momentos parece un documental. Y después de esta no pude para, pase por “Husbands”, luego apareció “Faces” y después vendrá “Opening Night” y más tarde el resto.
Fue bueno que haya visto otras dos del griego antes de escribir esto, por que las tres presentan y se refieren a un elemento común (además del alcohol, cigarros y Gena Rowlands), el matrimonio. En todas visto desde distintos puntos de vista, tratando aspectos diferentes, pero realmente te da una idea de lo que el director quería hablar y mostrar.
Acá tenemos como centro a Mabel (gigante Rowlands) una ama de casa al principio de los años setenta. En las primeras sospeche que iba a ser una historia sobre esta mujer infeliz, saturada de llevar a cabo el rol de ama de casa, deprimida y enojada constantemente por no haber podido cumplir sus sueños. Que equivocado estaba.
Mabel no solo comprende y acepta su rol de esposa y madre, además lo realiza con empeño y entusiasmo. Este es su principal problema, se excede, no sabe como controlarse y, por mas tonto que suene, tiene demasiado amor para dar y lo expresa sin tapujos. Esa idea del nido familiar, el “hogar dulce hogar”, como lugar reconfortante queda destruida cuando esto se transforma en un espacio asfixiante y cautiverio. Escribiendo esto se me ocurre ¿acaso Mabel no vendría a ser una versión actualizada de las princesas de Disney? ¿Se convertirían ellas también en mujeres bordeando a la demencia? (con el tratamiento de Hollywood probablemten no)
“Mabel is not crazy, she's unusual. She's not crazy, so don't say she's crazy.” Dice al principio Nick, su marido (el también tremendo Peter Falk). Si hay algo que esta claro en la película es que realmente existe amor en esta pareja. Lo triste es que ninguno parece entender al otro ni son capaces de demostrar correctamente este sentimiento y se terminan dañando mutuamente. Nick que no la comprende pero intenta hacer todo para que ella pueda llevar un vida “normal” (aunque no parece tener muy en claro que es eso, él ni nadie), toma decisiones equivocadas pero siempre con las mejores intenciones. Al final parece darse cuenta que el no quiere una Mabel diferente, una ama de casa fría y perfecta, prefiere aceptarla tal como es amorosa y difícil, si es axial que ella es feliz.
Estas palabras no llegan ni de cerca de a abarcar todo lo que es “A Woman Under the Influence”, todas esos aspectos e ideas que muestra. Se puede hablar y debatir muchísimo o simplemente no decimos ni analizamos nada y dejamos que nos atraviese y que nos sacuda de arriba abajo. Que podamos “disfrutar” de esta pieza cinematográfica, por momentos muy dolorosa y oscura, en otros casos muy bella, pero por sobre todo humana.

-HUSBANDS-
John Cassavetes, 1970 / John Cassavetes; Peter Falk; Ben Gazzara.
Antes de empezar voy a aclarar desde el vamos que disfrute mucho esta película, con el paso de los días hasta puede llegar a decir que me gusto aún más que “A Woman…”. Soy mi impresión básica desde un principio para los que quieran evitar leer tanto palabrerio.
En “Husbands”, no encontramos con un grupo de hombres, cuarentones, amigos y como el titulo destaca hombres de familia (ojo que no se llama “Fathers”). El conflicto surge cuando uno de estos amigos muere de forma sorpresiva y esto genera una cierta crisis existencial que los lleva a revalorar su vida.
Pasan por distintas etapas. La negación en un principio, la idea de que uno de sus pares haya fallecido y que la idea de que esto les podría haber pasado a cualquiera de ellos les resulta imposible de creer. Parecen necesitar demostrar toda la juventud y vitalidad que hay aun dentro de ellos. Los vemos corriendo y empujandose como niños en las calles de Nueva York, jugando al básquet hasta quedar sin aliento o nadando. Se embarcan en una cruzada de tragos, bebidas y seducción de mujeres, a pura juerga demostrando una inseguridad y vulnerabilidad que ni ellos parecían percatarse de que existía.
Mirar al pasado y preguntarse si uno habrá tomado las decisiones correctas. ¿Sentar cabeza, comprar el perfecto sueño americano y convertirse en un marido, fue lo correcto? Uno es libre de sus elecciones, pero no así de las consecuencias que estas generan. “You have to be free. You have to be an individual” dice en un momento el personaje de Peter Falk. Pero saben que no pueden hacer eso, forman parte de una familia, no hay individualismo existente ahí, no podes vivir una vida sin restricciones.
La muerte de su amigo gatilla todos estos sentimientos y los concientiza de ellos. Pero no saben que hacer, ni cual es la decisión correcta. Una vez que termina, Cassavetes te sigue dejando con esa incertidumbre (como también sucedía “A Woman…”), no hay una respuesta única y real. Si hay un poco de aceptación, voluntad de vivir y hacerse cargo de sus decisiones.

-FACES-
1968, John Cassavetes / John Marley; Lynn Carlin; Gena Rowlands.
Después de haber visto “Faces” me pregunte si no hubiese sido más conveniente estas tres de Cassavetes en el orden que fueron realizadas. Mirarlas de atrás para adelante no limito mi capacidad de disfrutarlas, claramente, pero está realmente parece funcionar como el origen de esta “trilogía” de la vida conyugal. Aca el griego nos presenta ideas que va a seguir desarrollando en películas subsiguientes.
Estamos en 1968 y el matrimonio parece funcionar de una forma extraña. El ser humano aparenta volverse artificial una vez que contrae casamiento, algo se pierde dentro suyo ya a temprana edad. Substituyen el placer de vivir, por una cuota de beneficios que supuestamente los va a hacer personas felices y satisfechas. Cassavetes se pone como intención clara, descargar críticas sobre la clase media americana de ese entonces. “Nobody has time to be vulnerable to each other”, es el personaje más joven, Chet el muchacho que baila y canta para sentirse libre, el que al final parece ser el más sabio al hacer notar esta verdad.
Nos centramos en la pareja de Richard y Maria, seguros en su casa suburbana, que han quedado anticuados con el paso del tiempo y con mentes cerradas. La trama los aparta de esa zona de confort, para que se vean forzados a lidiar con otras situaciones lejos del hogar. A Maria y sus amigas se las observa temerosas e inseguras y aun cuando llevan un único hombre a su hogar se las ve intimidadas. Richard cambia de parecer y de humor constanetemente en casa de Jeannie (I dream of Jeannie with the light brown hair! Perdón, se me pego). El punto fuerte y sabia decisión del director, es que decide no juzgar el comportamiento y reacciones de sus personajes. Nos los muestra a nosotros, los espectadores, como una exploración en donde vamos obteniendo diversos puntos, siempre para evitar concluir en la respuesta absoluta.

Lo peor de Enero: In Time y muelas de juicio.

In Time / El Precio del Mañana - 2011, Andrew Niccol / Justin Timberlake; Amanda Seyfried; Cillian Murphy.

En 1997 Andrew Niccol hizo su primer film, Gattaca, pasaron ya 14 años (tres películas) y ese continua siendo su único buen film. Un one hit wonder.
El concepto que da pie a la historia de In Time, un mundo en donde el tiempo es la moneda con que se comercia, suena como mínimo interesante. Lamentablemente esa sola oración es lo único bueno que puedo decir de esta película.
Desde el vamos me parece que si vas a trabajar con una idea así, ideal sería explicitar las reglas de cómo funciona este intercambio y como se rige esta sociedad. Esto no sucede, generando que en varios momentos uno se encuentre perdido en las vueltas de la historia y es aún más confuso cuando notamos que la forma de accionar de los personajes carece de toda lógica.
La trama esta plagada con gran cantidad de agujeros negros e inconsistencias, además de personajes de sobras y diálogos supuestamente inteligentes (no lo son) que hacen constante referencia al tiempo. Estas fallas, que no me alcanzaría las horas (guiño) para numerarlas a todas, terminan convirtiendo a la película en algo molesto de mirar. Si hasta el momento no había quedado claro lo digo ahora: la deteste.
Esos mediocres intentos de asemejarse a “Badlands” o “Bonnie and Clyde” con la pareja protagonista o la transformación hacia el final en un intento de un Robin Hood moderno, ni siquiera pueden ser rescatados por elenco, contratados todos por ser caras bonitas. A Timberlake el personaje de héroe le queda muy grande y acá no demuestra ni un poco del carisma que lo ha salvado en otras ocasiones. A Seyfried la contrataron únicamente para hacer de mina que esta buena y sale airosa en ese papel.
De haber visto esta película dos días antes hubiese sido seguro lo peor visto en el 2011. Ahora con todo el año por delante es difícil afirmar lo mismo, aunque espero por mi suerte que esto no me vuelva a pasar.

Love Story

En el colegio secundario tenía ingles como una materia. No se como será en otras escuelas, pero en la mía esa materia era completamente innecesaria. Terminabas sabiendo poco y nada, si realmente querías aprender ingles te tenías que pagar clases en un instituto privado. Yo hice eso, pero igual las horas de ingles en el colegio había que comérselas.
Lo peor era la parte de listening que la hacíamos en un "laboratorio". Trabajamos con unas grabadoras que funcionaban con casetes (press pause rec. and play) y unos auriculares duros que te dejaban con dolor de oreja. Había clases que no trabajamos con estos aparatos y nos pasaban películas en el televisor. Las elecciones no eran las mejores. Tuvimos que sufrir "Beyond Borders" dos veces (una en 4to y otra en 5to). Además esta tortura se extendía varias clases (por que la historia duraba casi dos horas y solo trabajábamos en el "lab" por 30 minutos. Después de estas experiencias termine odiando a Angelina Jolie.
Un día de noviembre mas o menos, en el ultimo año. La profesora no tenía nada mas para darnos (que entrara en el programa, claro) y para entretenernos decide ponernos una película, "Love Story", un estreno. No se ustedes, pero encuentro difícil relacionar algo con ese titulo, tan cursi y melodramático con la palabra entretenimiento. Por suerte mis amigos y compañeros estuvieron de acuerdo. Esta vez el publico deicidio no aguantar otra tortura y revelarse en contra de películas tan pedorras (para poner la situación un poco más en contexto hay que aclarar que era un día caluroso y que el laboratorio es vidriado y esta en el ultimo piso, ósea que la fiesta que estaba realizando el efecto invernadero en ese salón no ayudaba a calmar los ánimos) Después de media hora de gritos, burlas y abucheos la profesora (ofendida) no vio otra opción mas que apagar el televisor y echarnos a todos del salón. Ahí nosotros ya no nos quejamos.

El Abrazo Partido

Después de que la dieran infinitas veces en Isat y yo no la agarrara nunca, decidí bajar y ver “El Abrazo Partido”. Después de tres semanas de haberla visto decidí escribir sobre ella. Más vale tarde que nunca, supongo.
Mi principal interés por verla era que actuaba Daniel Hendler. No por el hecho de cómo actúa, sino porque la mayoría de la películas que el flaco decide trabajar me gustan. Asi que “El Abrazo Partido” en donde el hace de Ariel, del cual ya muchas veces he leído la critica de que es el mismo personaje que Hendler hace en subsecuentes roles.
Ariel es un muchacho que busca cambiar su forma de vida, principalmente alejarse del mundo que lo rodea en la actualidad, que es el mismo en donde fue criado. ¿Donde es esto? En una galería de negocios y principalmente el negocio de lencería atendido por su madre. Me gusta como te muestra la relación entre los distintos dueños de los negocios, como la galería los une como comunidad. Toda la organización de la carrera como competencia con un negocio exterior me pareció muy divertida.
Pero regresemos a Ariel, quiere irse y lejos, a Polonia si puede ser en donde estas los orígenes de su familia (aunque por los cuales demuestra muy poco interés). Abandonar esa galería que malos recuerdos le trae. O mejor dicho falta de memorias, sobre su padre que le abandono cuando lo abandono de bebe, dejándolo con su madre y su hermano mayor, para irse a luchar a la guerra en Israel. Esto no tiene sentido para el, no es justificación suficiente para desaparecer mas de 20 años. Asi nos encontramos con un personaje lleno de rencor hacia su padre, pero también hacia su madre que no logra entender por que no muestra desprecio alguno hacia su exmarido.
Pero además de este rencor, el además siente miedo. Miedo a tener que pasar el resto de su vida en esa galería. Año tras año con los mismos negocios, las misma personas, el envejeciendo y remplazando a su madre en esa vida tan monótona. ¿Se terminara convirtiendo en Osvaldo, el hombre transparente que no oculta nada y no tiene nada que contar? Estas tribulaciones son las que atormentan al personaje de Ariel.
Me parece que todas estas preocupaciones están muy bien mostradas y mientras que en la película se tocan otros temas interesantes, este fue el que más me gusto. Como que la frecuencia de la película era la misma que la MIA y entonces logramos buena sintonía (agh).
En fin, completamente recomendable tanto para los que busquen pasar un simple rato placentero o para los que también esperan un poco más. Cómica y tiene un par de escenas buenísimas (me gusta mucho la escena en donde la abuela canta y claro que también la de la carrera).

Sobre Hendler: sí, sus personajes tienen una base en común y ademanes similares. Pero los perdono mientras siga apareciendo en buena películas. Mi teoría es que a la hora de crear un personaje piensa que estilo de corte de pelo y barba debe llevar. (en serio, en todas es distinto).

Black Swan

(Iba a comentar sobre "El Discurso del Rey", pero no creo que pueda escribir más de tres renglones, esa película se conforma con satisfacer a todos con su mediocridad. Esta ya se discutió bastante, pero me pareció interesante las diferentes opiniones que genero)

Ya pasaron cuatro días desde que vi esta película, y después de pensarla bastante, darle un par de vueltas, mi opinión (o mas bien mi manera de observarla) cambio bastante.
Esto se debe principalmente a que lo que antes me había parecido su principal falla (a mi y a varios mas) ahora lo tomo como una gran ventaja. La falta de sutilezas, el continuo trazo grueso de la historia, me parece que es algo que la película usa como base para darse cuerpo y forma.
Me cuesta imaginar esos paralelismos entre "El Lago de Los Cisnes" y la transformación por la que va pasando Nina, expresados de otra manera. No por que no se pueda hacer (obviamente que se puede), sino porque no sería algo que encajara con el resto de la producción. Acá todo parece estar exacerbado:
- Las excesivas tomas de cerca (los pies de Natalie, los dedos de Natalie, la panza de Natalie, la cola de Natalie y mas, mas, muchos mas).
- Los personajes que como mucho tenían un dedo de profundidad, todos son casi una caricatura. La madre con esa sonrisa del guasón y todas esas frases sobre mi dulce niña que sonaban bastante perversas, o Mila Kunis que, bueno, tiene un tatuaje asi que eso ya la hace una mina oscura. Son todos negro puro, excepto el de Nina, ella pasa entre el blanco y negro, aunque nunca hay un punto medio.
- Hasta a la genial sobreactuación de Portman. Esa cara de consternada en todo momento, todo sentimiento siempre muy resaltado através de sus caras. Pero es genial y realmente que le den los premios que quieran. Aun con todas estas fallas, logra construir un personaje fascinante(que es básicamente con lo que sucede con la película).
Cada una de estos elementos separados del resto, quedarían desamparados y seria imposible no bajarles como pulgar. Pero como conjunto funcionan, tienen un maravilloso efecto.
Al final todo esto se exagera aun mas hasta llegar a un estado de frenesí al que se suma, la intensidad de la música y los excelentes movimientos convulsionados de la cámara. Todo parece tratar de arrastrar al espectador a ese mismo grado de locura que esta experimentando la protagonista.
No se como seria esa versión de "Black Swan", en donde todo no sea por demás de obvio. Tal vez es buena, pero seria otra película distinta pero probablemente necesitaría otro director y actriz. Yo por mi parte estoy demasiado conforme con esta experiencia grotesca creada por Aronofsky y Portman.

Dazed and Confused

Hay algunas películas que las veo y al instante que terminan tengo la noción de que no solo me gustan sino que se convierten en una de mis favoritas. Como algún sonso amor a primera visión. Este sentimiento logra mantenerse inalterable con el paso del tiempo o sucesivas revisiones. También están las películas que las veo y siento que me gustaron muchísimo, pero a medida que la pienso más y pasan los días, el impacto generado comienza perder fuerza hasta diluirse completamente. Hay otro tipo de películas, y es el que nos compete en la madruga de de este día miércoles lluvioso, que son aquellas que a primera mirada me parecen buenas películas, pero nada del otro mundo y que supongo que al tiempo me olvidare de ellas. Pero para mi sorpresa estas películas no se borran de mi mente, es mas toman fuerza y cada vez que las recuerdo siento mayor "cariño" hacia ellas.
"Dazed and Confused" (1993) es una de esas películas. La vi. Por primera y única vez el 24 de febrero del año pasado. Tenía intenciones de verla nuevamente para escribir este post, pero al final decidí no hacerlo por el momento (toda esta indecisión de mirar o no mirar retraso la entrada un par de días).
La película ocurre en el año '76 y nos muestra a diversos grupos de adolescentes en el último día de clases del año. Por la mañana en el colegio, a la tarde recorriendo casas de amigos o bares y por la noche todas se reúnen en una gran fiesta. Ese es todo el argumento, no hay nada mas, nada complejo, ninguna situación extremadamente dramática, solo adolescentes comportándose como tales.
Es por esto último que creo que la película me ha terminado por gustar tanto. Como el director y guionista Richard Linklater (una de las mentes que nos dio dos grandes películas como lo son "Before Sunrise" y "Before Sunset") logra capturar el espíritu adolescente. Mientras la miraba me resultaba fácil de identificarme con los personajes. Si ocurre en los '70, en un pueblo de Texas (estas historias me persiguen), con situaciones que muy difícilmente se dan ahora. Pero es en la síntesis (me esta costando ser claro) de estas situaciones y personajes donde uno se puede relacionar. Adolescentes sin preocupaciones, que hacen boludeces, jodas y en el fondo piensan "que capo que soy!". No se dan cuenta que tal vez dentro de dos o cuatro o mas años van a mirar atrás a esos momentos y pensar "que boludo que era" (riéndose o reprochándoselo, depende de uno). En el fondo por mas que lo supieran ni les importaría, se divierten, no tienen muchas responsabilidades y tienen esa pizca de rebeldía en punto máximo de ebullición. O también están esos diálogos, conversaciones, pensamientos que uno cree que son profundos. Como en el otro caso también nos vamos a dar cuenta que eran puras boludeces.
Ni si quiera tengo que buscar información para estar seguro que Linklater, baso gran parte de esta película en su adolescencia (nació en el '60 axial que tendría la misma edad que los personajes). Es muy personal y por eso la siento tan fresca y real.

Mas allá de todo esto y sin importar que los que visiten este sitio vean o no la película (o la hayan visto), realmente recomiendo bajar la banda de sonido. Miren el listado de temas y diganme que no vale la pena:

"Rock and Roll, Hoochie Koo" - Rick Derringer
"Slow Ride" - Foghat
"School's Out" - Alice Cooper
"Jim Dandy" - Black Oak Arkansas
"Tush" - ZZ Top
"Love Hurts" - Nazareth
"Stranglehold" - Ted Nugent
"Cherry Bomb" - The Runaways
"Fox on the Run" - Sweet
"Low Rider" - War
"Tuesday's Gone" - Lynyrd Skynyrd
"Highway Star" - Deep Purple
"Rock and Roll All Nite" - KISS
"Paranoid" - Black Sabbath

Killer soundtrack destaca Rottentomatoes. Cierto, muy cierto.

Easy A

Aguante las películas que son una boludez. Pero no cualquier boludez, una boludez bien hecha. Yo soy el tipo que te defiende a muerte “Ni Idea” y “Mean Girls” (en serio hace poco discutí con un amigo porque esta ultima era mejor que “The Hangover”).
Easy A entra en esa categoría de películas. No intenta más que ser un buen entretenimiento. Uno podría ponerse a criticar que la resolución ocurre muy rápido o que los personajes de los padres son un poco irreales, pero no lo voy a hacer por que me sentiría bastante amargo.
Emma Stone es la protagonista y la verdad que la colorada se la banca muy bien. Ella y su voz profunda tienen cierto encanto y presencia, que a uno le da gusto mirarla (en todos los sentidos). Esta acompañada por un gran numero de personajes secundarios (que bien que me cae Patricia Clarkson y también aparece Phoebe haciendo de Phoebe) que le dan mucho dinamismo a la historia.
En fin Easy A cumplió muy bien con mis expectativas de entretenerme. Estaría bueno que hubieses más películas de este estilo que lo lograsen.

Nota: En la historia se hacen un par de referencias directas a las películas dirigidas por John Hughes. Debería mirar alguna. Probablemente empiece con la que no aparece ni Matthew Broderick, ni el de Two and a Half Men.

The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford

Que buena sorpresa esta película. Antes de mirarla me preocupa un poco su larga duración y además estaba Brad Pitt que es un actor ante el cual siempre me sentí bastante indiferente. Para mi suerte, estaba equivocado nuevamente.
La encontré casi perfecta en todos los aspectos. Por ejempl0 la escena del robo al tren, donde hay una toma de la silueta de Jesse James mezclándose con el humo de la locomotora, son unos segundos geniales, que te demuestra la capacidad que tiene el director Andrew Dominik y la excelente fotografía por parte de Roger Deakins. Esa es solo una de incontables escenas de igual calidad que se dan a lo largo de toda la duración.
La dualidad creciente entre estos dos personajes que cuenta la historia, los celos, la obsesión por la fama y el reconocimiento, esta muy bien retratado y logro mantenerme enganchado en todo momento. Excelente la ultima media hora, que funciona casi como un epilogo de toda la historia.
Pero mas allá de todas estas cosas que me gustaron, por lo que realmente quede fascinado fue la actuación de los dos protagonistas. Tanto el trabajo de Brad Pitt como Jesse James y el de Casey Affleck como Robert Ford es impresionante. Pitt compone a un personaje con tantos matices, desde un tipo carilindo, canchero y bastante confiado en si mismo, hasta un hombre perturbado, con una locura y paranoia en aumento. Casey Affleck crea un personaje molesto, nervioso y con aires de grandeza. Una criatura desagradable. Pero la eficacia de Affleck logra transformar su personaje en los momentos que son necesarios.
De lo mejor que vi este año.

Scott Pilgrim Vs. The World

La vi con pocas expectativas. El trailer me había gustado, pero ya no confío mucho en los avances.

Por suerte resulto ser una de las cosas buenas que me paso en este ultimo periodo. Ni siquiera me importa que en la segunda hora decaiga un poco.
Como no le puede gustar a uno si tiene:
Peleas, personas que explotas, peleas con espadas, siete exnovios (todo junto, me mantuve al día) malvados, rock, anna kendrick, lesbianas, gays, mas rock, uno de los mucho hermanos de mi pobre angelito, Egg vs George Michael Jr. , infinitas referencias a videojuegos, guerra de bandas, Jason Shwarztman, muchas frases para destacar, referencia a cómics, un estilo muy nerd y geek, guerra de bandas, a un Michael Cera aguantable!

(Al mismo tiempo creo que la mayoría de estas cosas pueden ser encontradas como justificación de porque esta película es mala en una critica negativa)

Good Will Hunting

Me gustan varios de los trabajos de Gus Van Sant, así que siempre espero bastante de el como director. Ayer “Good Will Hunting” me indico que tal vez no debería hacerlo.
Will Hunting es un joven de 20 años que tuvo una infancia de porquería y bastante problemático (también es un bocho, que puede resolver ecuaciones matemáticas muy complejas y al parecer se leyó una biblioteca entera). ¿Jóvenes con problemas? Van Sant esta en su salsa! Pero no, la película es muy correcta, y aunque eso no quiera decir que sea mala, si la hace obvia y un poco aburrido. Una decepción.
Tiene un par de actuaciones que están bastante bien (nunca me banque a Robin Williams y Ben Affleck actuando es de madera, por descarte me estaba refiriendo a Matt Damon y la chica). Lo mejor (lejos) es la banda sonora con temas del groso de Elliot Smith.
Nota 1: Si no me gusto esta, ni voy a hacer el esfuerzo con Finding Forrester.
Nota 2: Le tengo un poco de miedo a la nueva de Gus, Restless.

Please Give

Dos cosas que concluí cuando termine de ver esta película:
- Como me gusta Catherine Keener, me agrada mucho verla en pantalla. Acá interpreta a una neoyorquina que tiene demasiados complejos con su vida, siente que las cosas que tiene no se las merece. Creo que es un papel que con otra actriz, podría haber sido un persona bastante caricaturesco, muy insoportable de mirar y escuchar, pero la mina logra componerlo de forma real y entrañable. Ella esta muy bien y la película también. Me hizo acordar bastantes a las películas de Woody Allen.
- Confirmo que Amanda Peet tiene el síndrome de Marisa Tomei. Tiene 38 y cada año esta mejor.

How to Train Your Dragon

Las películas animadas que realiza Dreamworks no me interesan. La mayoría de sus productos apuntan más al público infantil con historias básicas llenas de lugares comunes, que al final dejan de lado todo tipo de metáfora o sutileza para dar el mensaje más obvio y subrayado. Usan el humor como principal atractivo en sus películas, con chistes que nunca logran divertirme. Siempre monosomía y repetición de guiones. Parece que no tuvieran ni un poco de ambición de hacer buen cine.
Ojo, Shrek me parece muy buena película, y la secuela esta dentro de todo bastante bien, pero ver 20 minutos de Madagascar (1 o 2), Shark Tale es una pérdida de tiempo. Ver Shrek 3 (completa!) me dio ganas de martillarme la mano.
A "How to Train Your Dragon" decidí darle un oportunidad por que después de ver el avance me pareció que tenia algo distinto al resto de las películas de Dreamworks. Mejor dicho, no parecía una película de ellos.
Mi impresión no estaba tan errada. La mejor parte de la historia es la del titulo. Las escenas donde Hiccup (el protagonista) entrena al dragón negro que cazo (de pura suerte) son entretenidas y simpáticas. Puntos a favor porque para crear el vínculo entre el dragón y el humano, los creadores se dan cuenta que no es necesario agregarle una voz a la criatura. Además funciona bien que estas escenas se mezclan con otras en contrapartida en donde Hiccup es entrenado para cazar y matar dragones.
Para mi alegría en casi todo momento logra evitar ese humor fácil que tenían las otras historias mencionadas. Tiene también un buen despliegue visual y una banda sonora, con influencias de música celta, que acompaña bien a esta comunidad vikinga.
Puntos flojos posee un montón (guión básico, una pena que la segunda mitad de la película es muy común, un protagonista con el peinado de Justin Bieber), pero no voy a hablar de ellos, esta vez se los perdono. Acá Dreamworks al menos muestra intenciones de hacer las cosas bien.
Ojala que sigan esta dirección.

Mind Game

Es muy difícil describir el argumento de "Mind Game". Imaginen a un flaco al cual el Maradona oriental le pega un balazo en la cabeza. Pero una vez muerto logra obtener otra oportunidad de vivir. Ahí decide que de ahora en mas va a vivir la vida de forma alegre, positiva y hasta heroica. Eso es parte del comienzo, a medida que avanza la película, va mutando y delirando hasta terminar en una gran referencia a una vieja película de Disney.
La película es un gran festín audiovisual. Mezclando diversos tipos de animación (todos siempre con una gran gama y variedad de colores) y acompañada por una banda sonora muy surtida que incluye bossa nova, canciones con pianola o redoblante.
El mensaje esta transmitido de forma clara y precisa através de las imágenes y comportamientos de los personajes. En cambio la trama es presentada de forma confusa y desordenada(al menos la parte del inicio que lleva a la historia principal). Me parece que el director le da la información necesaria al espectador para intentar armar toda la historia de forma ordenada y completa. Pero a su vez, le deja la oportunidad de que la vea como una gran explosión artística sin necesidad de que todo se ordene de forma prolija y perfecta o que todo asá este generado por un así. Me copo bastante esta dualidad que genera el director a la hora de plantear la película. Yo elijo verla de la segunda manera, porque Mind Game funciona realmente bien de esa forma.
Recomendadísima.

Labyrinth

Domingo a las 2 de la mañana, me había juntando con un par de amigos a comer y habíamos dicho de ver una peli. Estábamos cansados pero decidimos ver algo igualmente.

Yo - ¿Que vemos?
Nico - No se, proba con la que trajiste, esa las de los hombres que no le gustan las mujeres.
Chechu - No, tu dvd no la lee.
N - Bueno, ¿Que otra cosa hay?
Juli (revisando cds) - Bastardos sin gloria, ¿Que paso ayer?, una de Star Wars, Laberinto...
N - Uh! pone Laberinto
Todo el resto - ¿si?
N - Si, dale ¿No se acuerdan que la profe de plástica nos la paso en 7mo?
Y - Si, pero también me acuerdo que a muy pocos no había gustado.
J - Ya fue, ponela, de ultima la cambiamos.

Vimos Laberinto. Mejor dicho: vimos partes de Laberinto. Todos cabezeabamos y cada uno se perdió varias partes. Por lo que vi, todavía me pareció bastante entretenida.
Pero mas allá de todo esto, lo que quiero destacar son los efectos visuales que logra la película. Son buenisimos (siguen siendo). Quede muy sorprendido por lo bien que se mantienen aun 24 años después.
Un par de ejemplos:

La cara de David Bowie en lo que parece ser una única roca


Jennifer Connelly encontrando un camino escondido al minuto del vídeo (que zarpado efecto de perspectiva):

The Ghost Writer

Cuando era chico (un infante me refiero) las películas que miraba, las solía ver de mañana (casi siempre en los fines de semana. Nunca se me hizo una dificultad despertarme temprano y era muy ansioso por ver el vídeo que había alquilado la noche anterior. Después por diversas razones esta costumbre se fue transformando en algo menos estructurado con el paso del tiempo.

Ayer aprovechando la combinación de que no tenia clases y que el día estaba nublado, decidí después de muchos años volver a darme una sesión de cine matutino. Seleccione al azar entre la torre de películas que tengo grabadas sin haber visto. Así fue como termino viendo "The Ghost Writer". Nunca vi nada de Polansky, no sabia de que se trataba, sabia que actuaba Ewan McGregor y Pierce Brosnan por este poster horrible.

La historia gira alrededor del personaje de Ewan lo contratan como escritor oculto para que reescriba las memorias del antiguo primer ministro ingles (007). Bastante jugado de su parte si tenemos en cuenta que de política no tiene idea y que su antecesor en el cargo se suicido de forma misteriosa.

Fue una sorpresa muy placentera. Dos hora de intriga muy bien construidas. Mientras miraba la película no podía dejar de sentir que tenia un estilo muy similar al cine de Hitchcock (principalmente Vertigo o North by Northwest). A través del suspenso que va en aumento, o como nosotros (al igual que el protagonista) no tenemos idea lo que sucede, la música o el desarrollo de la historia (donde McGregor descubre secreto mas secreto, diversas pistas que lo hacen perderse mas dentro de este misterio).

Para terminar con etse palabrerio asqueroso: una película de suspenso que logre crear ese efecto, siempre es bienvenida. Buen regreso al cine mañanero.