Lo mejor de Febrero: Hugo

Hugo / La Invención de Hugo Cabret – 2011, Martin Scorsese / Asa Butterfield; Chloë Grace Moretz; Ben Kingsley.

“Un niño huérfano se aferra a la idea de que su padre le dejo un mensaje a través de un acertijo que debe resolver” Sí yo leo eso realmente pienso que existe la posibilidad de que esta sea una idea salida de la mente de Cris Morena. Por suerte este no es el caso, detrás de este ambicioso proyecto se encuentra el conocido y experimentado Martin Scorsese.
Como director, Scorsese, logra trasladar a la pantalla una historia con muchas capas. Por encima de todo se nos presenta este pequeño mundo que es la estación de París en donde ocurre la aventura de este niño. Resolviendo incógnita tras incógnita Hugo intenta encontrar algo que sea de valor para el. Hay una constante necesidad de darle significado a las cosas. Su amiga, Isabelle, busca que es lo que esta destinada a hacer para poder darle un sentido a su vida, mientras tanto él sabe que esta en su destino resolver estos misterios pero no tiene en claro cual es el significado de su búsqueda. Creo que una de las mejores cosas que tiene la película es ver como Scorsese logra mediante esta aventura crear una sensación de fantasía y magia sin recurrir a elementos de ese estilo (creo que realmente que el 3D aporta a esto).
“Hugo” trata también sobre la maquina, la relación que existe entre ella y el ser humano, la dependencia y su importancia que tiene en el ser humano (ya sea mediante relojes, trenes, autómatas o proyectores de cine). Pero no esta visto en forma de reproche o como critica, sino que se lo muestra como un triunfo. Un festejo a las invenciones que ha logrado el hombre partiendo desde la curiosidad, investigando y usando su creatividad e inteligencia.
Además es una película sobre cine. Uno realmente puede sentir cuan personal se pone Scorsese con respecto a este aspecto de la trama. Decide brindarle un homenaje a este maravilloso mundo al que él pertenece.
Siempre me parece interesante cuando un director se vincula tan personalmente con el argumento de una película, se le agrega una gran cantidad de sentimiento y carga emocional, más allá de cómo sea el resultado. Por ejemplo en The Tree of Life, Mallick realiza un registro del periodo de la infancia del protagonista a través de experiencias propias. Dejando influir situaciones tan personales logra un representación verídica de esta etapa de la vida ( para mi esta no es solo la mejor parte de la película sino también lo mejor que ha filmado Mallick hasta el momento).
En “Hugo” sucede algo similar. Mediante estos personajes Scorsese decide mostrarnos cuanto significa y que importancia tiene el cine en su vida. No, no solo nos muestra, además nos invita a que nos contagiemos de esa fascinación que el tiene por este arte. (Admito que salí con ganas de ver alguna de las películas de George Méliès).
Por sobre todo “La Invención de Hugo Cabret” es una celebración. Martin Scorsese definitivamente encontró su destino hace mucho tiempo y esta película es simplemente una gran carta de agradecimiento a la vida.

Lo peor de Febrero: The Descendants y el estudio (mezclado con calor eh)

The Descendants / Los Descendientes – 2011, Alexander Payne / George Clooney; Shailene Woodley.

Voy a suponer que Alexander Payne tenía en su cabeza la idea para una película que sonaba, pero esto no era suficiente para él y decidió ponerse como meta la intención de hacer una historia con la que el publico llore. Como no estaba seguro de cómo lograrlo le pego un tubazo a Alejandro Gonzalez Iñarritu. En la larga conversación que estos tuvieron, el mexicano le dejo algo en claro: para conseguir lo que buscaba era necesario que mostrara personajes sufriendo, llorando y mucha miseria humana. Payne encontró este consejo muy útil pero al mismo tiempo no quería que su película pareciese tan extrema, además necesitaba respetar ese toque de cinismo que esta presente en el resto de su filmografía. Entonces tomo los elementos que dijo Iñarritu, los introdujo en una historia de ricos que viven en Hawai y que tiene como banda sonora a unos ukeleles de sonidos melancólicos. De esta mezcla salio el garrón que es “The Descendants”

Todos miremos Take Shelter

Take Shelter – 2011, Jeff Nichols / Michael Shannon; Jessica Chastain; Kathy Baker.

Un hombre de familia comienza a perder su cordura por tener sueños y alucinaciones apocalípticas. Ese viene a ser, en una línea, el argumento de “Take Shelter” y definitivamente logra captar la atención de uno, da curiosidad. ¿Será este proyecto otra aberración del cine norteamericano o nos sorprenderá y lograra utilizar esta premisa de forma exitosa? Como me esperaba, un alivio no haberme equivocado, esta película corresponde a la segunda clasificación.
Es temerosamente atractivo observar como Curtis (Michael Shannon) es consiente de que se encuentra descendiendo lentamente a un estado de locura. Consulta a libros, doctores, busca tratamientos y opiniones para encontrar una solución. Mientras parece haber una fuerza mayor en su interior que lo atrae a buscar formas de protección a todos los males que aluden sus pesadillas. Comienza a aislarse, encerrándose en sus pensamientos sin notar como esto va deteriorando el estado de bienestar familiar en el que se encuentra al principio. Simplemente es más fuerte que él, esta más allá de su dominio.
Michael Shannon se merece todo elogio que haya recibido. Se carga parte de la película en sus hombros y logra hacer de Curtis por momentos un hombre indefenso y asustado pero en ocasiones se transforma en un ser que causa temor. Es muy valorable que logre conseguir estos cambios de personalidad sin nunca perder la simpatía del espectador. Hay que mencionar además el labor de Jessica Chastain. ¿En donde estaba escondida? Apareció de la nada y en único año trabajo con directores y actores importantes demostrando, a su vez, una versatilidad de putamadre. En su papel de Samantha, la esposa, logra convencernos de que si uno la tuviese como compañera no habría dudas de que la mejor forma de sobrellevar cualquier situación es mediante la familia unida.
Pero más que nada le debemos esta gran película a su director Jeff Nichols. Nunca había oído hablar de él y ahora, después de informarme, me entere que hay una única película, llamada “Shotgun Stories”, que precede a esta: Me voy a asegurar de verla en cuanto pueda debido a que quede muy impresionado con su trabajo en “Take Shelter”. El manejo de los tiempos es increíble, lo que empieza siendo un desarrollo lento y calmo se va transformando hasta convertirse en una última media hora con una intensidad y tensión inesperada en un principio. Logra crear un ambiente de opresión através de la locura de Curtis y uno, como él, llega a dudar que es real y que no.
En un primer momento no estuve seguro si compartía la idea que ese era el final más adecuado, pero con el paso de los días lo pude empezar a apreciar más y como mínimo se puede decir que Nichols demuestra tener bastantes huevos.

Ya entendí

"Hace calor"
"¡Que calor que hace, che!"
"Esta insoportable"
"No podes salir a la calle"
"Así no se puede aguantar nada"
"No se puede estar"
"¿Cuando viene la lluvia?"
"¿Por qué no vivmos en Europa?"
"Fijate la temperatura en Infoclima"
"¿¡Sabes cual fue la sensación termica de hoy!?"

Basta.

Lo mejor de Enero: John Cassavates y el río.

-A WOMAN UNDER THE INFLUENCE-
John Cassavetes, 1974 / Gena Rowlands; Peter Falk.

Y yo que me estaba quejando por lo pobre que había empezado el 2012 en materia cinematográfica. Por suerte apareció John Cassavetes, me dio un par de bifes y me hizo cambiar de opinión.
Venía con ganas de ver esta película desde hace ya mucho tiempo y una vez que la tuve en mis manos por alguna razón deje reposar el CD por 8 meses. Finalmente una tarde al azar decidí verla y suerte la mía, porque me encontré con algo maravilloso.
No tenía en claro cual era la trama, ni sabía como era el cine de Cassavetes. Con “A Woman…” se me abrió las puertas a otro tipo de cine hasta ahora no explorado, uno lleno de emociones y vitalidad, tan real que por momentos parece un documental. Y después de esta no pude para, pase por “Husbands”, luego apareció “Faces” y después vendrá “Opening Night” y más tarde el resto.
Fue bueno que haya visto otras dos del griego antes de escribir esto, por que las tres presentan y se refieren a un elemento común (además del alcohol, cigarros y Gena Rowlands), el matrimonio. En todas visto desde distintos puntos de vista, tratando aspectos diferentes, pero realmente te da una idea de lo que el director quería hablar y mostrar.
Acá tenemos como centro a Mabel (gigante Rowlands) una ama de casa al principio de los años setenta. En las primeras sospeche que iba a ser una historia sobre esta mujer infeliz, saturada de llevar a cabo el rol de ama de casa, deprimida y enojada constantemente por no haber podido cumplir sus sueños. Que equivocado estaba.
Mabel no solo comprende y acepta su rol de esposa y madre, además lo realiza con empeño y entusiasmo. Este es su principal problema, se excede, no sabe como controlarse y, por mas tonto que suene, tiene demasiado amor para dar y lo expresa sin tapujos. Esa idea del nido familiar, el “hogar dulce hogar”, como lugar reconfortante queda destruida cuando esto se transforma en un espacio asfixiante y cautiverio. Escribiendo esto se me ocurre ¿acaso Mabel no vendría a ser una versión actualizada de las princesas de Disney? ¿Se convertirían ellas también en mujeres bordeando a la demencia? (con el tratamiento de Hollywood probablemten no)
“Mabel is not crazy, she's unusual. She's not crazy, so don't say she's crazy.” Dice al principio Nick, su marido (el también tremendo Peter Falk). Si hay algo que esta claro en la película es que realmente existe amor en esta pareja. Lo triste es que ninguno parece entender al otro ni son capaces de demostrar correctamente este sentimiento y se terminan dañando mutuamente. Nick que no la comprende pero intenta hacer todo para que ella pueda llevar un vida “normal” (aunque no parece tener muy en claro que es eso, él ni nadie), toma decisiones equivocadas pero siempre con las mejores intenciones. Al final parece darse cuenta que el no quiere una Mabel diferente, una ama de casa fría y perfecta, prefiere aceptarla tal como es amorosa y difícil, si es axial que ella es feliz.
Estas palabras no llegan ni de cerca de a abarcar todo lo que es “A Woman Under the Influence”, todas esos aspectos e ideas que muestra. Se puede hablar y debatir muchísimo o simplemente no decimos ni analizamos nada y dejamos que nos atraviese y que nos sacuda de arriba abajo. Que podamos “disfrutar” de esta pieza cinematográfica, por momentos muy dolorosa y oscura, en otros casos muy bella, pero por sobre todo humana.

-HUSBANDS-
John Cassavetes, 1970 / John Cassavetes; Peter Falk; Ben Gazzara.
Antes de empezar voy a aclarar desde el vamos que disfrute mucho esta película, con el paso de los días hasta puede llegar a decir que me gusto aún más que “A Woman…”. Soy mi impresión básica desde un principio para los que quieran evitar leer tanto palabrerio.
En “Husbands”, no encontramos con un grupo de hombres, cuarentones, amigos y como el titulo destaca hombres de familia (ojo que no se llama “Fathers”). El conflicto surge cuando uno de estos amigos muere de forma sorpresiva y esto genera una cierta crisis existencial que los lleva a revalorar su vida.
Pasan por distintas etapas. La negación en un principio, la idea de que uno de sus pares haya fallecido y que la idea de que esto les podría haber pasado a cualquiera de ellos les resulta imposible de creer. Parecen necesitar demostrar toda la juventud y vitalidad que hay aun dentro de ellos. Los vemos corriendo y empujandose como niños en las calles de Nueva York, jugando al básquet hasta quedar sin aliento o nadando. Se embarcan en una cruzada de tragos, bebidas y seducción de mujeres, a pura juerga demostrando una inseguridad y vulnerabilidad que ni ellos parecían percatarse de que existía.
Mirar al pasado y preguntarse si uno habrá tomado las decisiones correctas. ¿Sentar cabeza, comprar el perfecto sueño americano y convertirse en un marido, fue lo correcto? Uno es libre de sus elecciones, pero no así de las consecuencias que estas generan. “You have to be free. You have to be an individual” dice en un momento el personaje de Peter Falk. Pero saben que no pueden hacer eso, forman parte de una familia, no hay individualismo existente ahí, no podes vivir una vida sin restricciones.
La muerte de su amigo gatilla todos estos sentimientos y los concientiza de ellos. Pero no saben que hacer, ni cual es la decisión correcta. Una vez que termina, Cassavetes te sigue dejando con esa incertidumbre (como también sucedía “A Woman…”), no hay una respuesta única y real. Si hay un poco de aceptación, voluntad de vivir y hacerse cargo de sus decisiones.

-FACES-
1968, John Cassavetes / John Marley; Lynn Carlin; Gena Rowlands.
Después de haber visto “Faces” me pregunte si no hubiese sido más conveniente estas tres de Cassavetes en el orden que fueron realizadas. Mirarlas de atrás para adelante no limito mi capacidad de disfrutarlas, claramente, pero está realmente parece funcionar como el origen de esta “trilogía” de la vida conyugal. Aca el griego nos presenta ideas que va a seguir desarrollando en películas subsiguientes.
Estamos en 1968 y el matrimonio parece funcionar de una forma extraña. El ser humano aparenta volverse artificial una vez que contrae casamiento, algo se pierde dentro suyo ya a temprana edad. Substituyen el placer de vivir, por una cuota de beneficios que supuestamente los va a hacer personas felices y satisfechas. Cassavetes se pone como intención clara, descargar críticas sobre la clase media americana de ese entonces. “Nobody has time to be vulnerable to each other”, es el personaje más joven, Chet el muchacho que baila y canta para sentirse libre, el que al final parece ser el más sabio al hacer notar esta verdad.
Nos centramos en la pareja de Richard y Maria, seguros en su casa suburbana, que han quedado anticuados con el paso del tiempo y con mentes cerradas. La trama los aparta de esa zona de confort, para que se vean forzados a lidiar con otras situaciones lejos del hogar. A Maria y sus amigas se las observa temerosas e inseguras y aun cuando llevan un único hombre a su hogar se las ve intimidadas. Richard cambia de parecer y de humor constanetemente en casa de Jeannie (I dream of Jeannie with the light brown hair! Perdón, se me pego). El punto fuerte y sabia decisión del director, es que decide no juzgar el comportamiento y reacciones de sus personajes. Nos los muestra a nosotros, los espectadores, como una exploración en donde vamos obteniendo diversos puntos, siempre para evitar concluir en la respuesta absoluta.

Lo peor de Enero: In Time y muelas de juicio.

In Time / El Precio del Mañana - 2011, Andrew Niccol / Justin Timberlake; Amanda Seyfried; Cillian Murphy.

En 1997 Andrew Niccol hizo su primer film, Gattaca, pasaron ya 14 años (tres películas) y ese continua siendo su único buen film. Un one hit wonder.
El concepto que da pie a la historia de In Time, un mundo en donde el tiempo es la moneda con que se comercia, suena como mínimo interesante. Lamentablemente esa sola oración es lo único bueno que puedo decir de esta película.
Desde el vamos me parece que si vas a trabajar con una idea así, ideal sería explicitar las reglas de cómo funciona este intercambio y como se rige esta sociedad. Esto no sucede, generando que en varios momentos uno se encuentre perdido en las vueltas de la historia y es aún más confuso cuando notamos que la forma de accionar de los personajes carece de toda lógica.
La trama esta plagada con gran cantidad de agujeros negros e inconsistencias, además de personajes de sobras y diálogos supuestamente inteligentes (no lo son) que hacen constante referencia al tiempo. Estas fallas, que no me alcanzaría las horas (guiño) para numerarlas a todas, terminan convirtiendo a la película en algo molesto de mirar. Si hasta el momento no había quedado claro lo digo ahora: la deteste.
Esos mediocres intentos de asemejarse a “Badlands” o “Bonnie and Clyde” con la pareja protagonista o la transformación hacia el final en un intento de un Robin Hood moderno, ni siquiera pueden ser rescatados por elenco, contratados todos por ser caras bonitas. A Timberlake el personaje de héroe le queda muy grande y acá no demuestra ni un poco del carisma que lo ha salvado en otras ocasiones. A Seyfried la contrataron únicamente para hacer de mina que esta buena y sale airosa en ese papel.
De haber visto esta película dos días antes hubiese sido seguro lo peor visto en el 2011. Ahora con todo el año por delante es difícil afirmar lo mismo, aunque espero por mi suerte que esto no me vuelva a pasar.

Love Story

En el colegio secundario tenía ingles como una materia. No se como será en otras escuelas, pero en la mía esa materia era completamente innecesaria. Terminabas sabiendo poco y nada, si realmente querías aprender ingles te tenías que pagar clases en un instituto privado. Yo hice eso, pero igual las horas de ingles en el colegio había que comérselas.
Lo peor era la parte de listening que la hacíamos en un "laboratorio". Trabajamos con unas grabadoras que funcionaban con casetes (press pause rec. and play) y unos auriculares duros que te dejaban con dolor de oreja. Había clases que no trabajamos con estos aparatos y nos pasaban películas en el televisor. Las elecciones no eran las mejores. Tuvimos que sufrir "Beyond Borders" dos veces (una en 4to y otra en 5to). Además esta tortura se extendía varias clases (por que la historia duraba casi dos horas y solo trabajábamos en el "lab" por 30 minutos. Después de estas experiencias termine odiando a Angelina Jolie.
Un día de noviembre mas o menos, en el ultimo año. La profesora no tenía nada mas para darnos (que entrara en el programa, claro) y para entretenernos decide ponernos una película, "Love Story", un estreno. No se ustedes, pero encuentro difícil relacionar algo con ese titulo, tan cursi y melodramático con la palabra entretenimiento. Por suerte mis amigos y compañeros estuvieron de acuerdo. Esta vez el publico deicidio no aguantar otra tortura y revelarse en contra de películas tan pedorras (para poner la situación un poco más en contexto hay que aclarar que era un día caluroso y que el laboratorio es vidriado y esta en el ultimo piso, ósea que la fiesta que estaba realizando el efecto invernadero en ese salón no ayudaba a calmar los ánimos) Después de media hora de gritos, burlas y abucheos la profesora (ofendida) no vio otra opción mas que apagar el televisor y echarnos a todos del salón. Ahí nosotros ya no nos quejamos.

El Abrazo Partido

Después de que la dieran infinitas veces en Isat y yo no la agarrara nunca, decidí bajar y ver “El Abrazo Partido”. Después de tres semanas de haberla visto decidí escribir sobre ella. Más vale tarde que nunca, supongo.
Mi principal interés por verla era que actuaba Daniel Hendler. No por el hecho de cómo actúa, sino porque la mayoría de la películas que el flaco decide trabajar me gustan. Asi que “El Abrazo Partido” en donde el hace de Ariel, del cual ya muchas veces he leído la critica de que es el mismo personaje que Hendler hace en subsecuentes roles.
Ariel es un muchacho que busca cambiar su forma de vida, principalmente alejarse del mundo que lo rodea en la actualidad, que es el mismo en donde fue criado. ¿Donde es esto? En una galería de negocios y principalmente el negocio de lencería atendido por su madre. Me gusta como te muestra la relación entre los distintos dueños de los negocios, como la galería los une como comunidad. Toda la organización de la carrera como competencia con un negocio exterior me pareció muy divertida.
Pero regresemos a Ariel, quiere irse y lejos, a Polonia si puede ser en donde estas los orígenes de su familia (aunque por los cuales demuestra muy poco interés). Abandonar esa galería que malos recuerdos le trae. O mejor dicho falta de memorias, sobre su padre que le abandono cuando lo abandono de bebe, dejándolo con su madre y su hermano mayor, para irse a luchar a la guerra en Israel. Esto no tiene sentido para el, no es justificación suficiente para desaparecer mas de 20 años. Asi nos encontramos con un personaje lleno de rencor hacia su padre, pero también hacia su madre que no logra entender por que no muestra desprecio alguno hacia su exmarido.
Pero además de este rencor, el además siente miedo. Miedo a tener que pasar el resto de su vida en esa galería. Año tras año con los mismos negocios, las misma personas, el envejeciendo y remplazando a su madre en esa vida tan monótona. ¿Se terminara convirtiendo en Osvaldo, el hombre transparente que no oculta nada y no tiene nada que contar? Estas tribulaciones son las que atormentan al personaje de Ariel.
Me parece que todas estas preocupaciones están muy bien mostradas y mientras que en la película se tocan otros temas interesantes, este fue el que más me gusto. Como que la frecuencia de la película era la misma que la MIA y entonces logramos buena sintonía (agh).
En fin, completamente recomendable tanto para los que busquen pasar un simple rato placentero o para los que también esperan un poco más. Cómica y tiene un par de escenas buenísimas (me gusta mucho la escena en donde la abuela canta y claro que también la de la carrera).

Sobre Hendler: sí, sus personajes tienen una base en común y ademanes similares. Pero los perdono mientras siga apareciendo en buena películas. Mi teoría es que a la hora de crear un personaje piensa que estilo de corte de pelo y barba debe llevar. (en serio, en todas es distinto).

It's All Too Much

En mi casa nosotros:

- Separamos la basura en papel, plástico, metal y el resto.
- Para preparar las latas para reciclar, les sacamos el papel y las lavamos.
- Cuando lavamos los platos la canilla tiene que estar abierta al mínimo, y cuando limpiamos con la esponja cerramos y volvemos a abrir cuando enjuagamos.
- Las duchas deben durar entre 5 y 10 minutos. después de eso uno empieza a recibir fuertes criticas.
- Las pilas usadas las guardamos en frascos de vidrio.
- Tampoco tiramos los diskets.
- Evitamos usar bolsas de plástico y siempre que vamos al super o panadería llevamos nuestras bolsas de telas.
- También cortamos y limpiamos cualquier tipo de sachet (esto tal vez no encaja tanto acá, pero mi hermano los necesita para un proyecto de calefones solares que si tiene que ver con el tema).

Se que todo esto que hacemos esta bien, pero algunas veces no puedo dejar de pensar "maldita concientización ambiental".